Презентация, доклад по МХК Позднее Возрождение

XV века)

Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI — 1590-е годы)

ГЛУБОКИЙ КРИЗИС (КРЕПЛИ АНТИРЕНЕССАНСНЫЕ ТРАДИЦИИ)

«Четыре книги по архитектуре»

основе стиля лежат



строгое следование симметрии

учёт перспективы

заимствование принципов классической храмовой архитектуры Древней Греции и Рима

хорошей постройки.

еще более мощный вид


аттиковый этаж отодвигается назад


поверх карниза вводится небольшая балюстрада


мощный антаблемент особенно тяжел, раскрепованные части его значительно выдаются вперед

по балюстраде со статуями античных богов


из круглого отверстия сверху купола, по замыслу создателей, солнечный свет должен был изливаться в круглую гостиную в центре здания


Её стены покрыты искусными фресками-обманками


Все прочие комнаты спроектированы таким образом, чтобы в них в течение дня тоже равномерно заглядывало солнце

выполнены почти тождественно: низ имеет дорический ордер, верхний этаж — ионический


 круглые окошки, остроумно введенные около арок, еще более облегчают стену и одновременно повторяют мотив круглых же проемов в стене, поддерживающих купол здания

в крайних арках подобных окошек нет: автор хотел усилить крайние участки стены, выделяющиеся на фоне неба, придав большую жесткость углам сооружения

на углах поставлены парные колонны, а маленькие импостовые колонки сближены с большими

 здание облицовано мрамором, в то время как большинство его построек выполнены в кирпиче и снаружи оштукатурены

штукатурки. Изображенные персонажи имеют отношение к основанию Олимпийской академии или же самого театра.


Грандиозная центральная часть сцены выполнена в коринфском ордере и была вдохновлена конструкцией римских триумфальных арок.


На центральном аттике на одиннадцати полях изображены двенадцать подвигов Геракла.

В центре, среди двух фигур Фамы, изображен стадион с гонками на колесницах — герб Академии и память об олимпийских играх, основанных Гераклом — покровителем Виченцы и символом человека, посредством своего благородства, достигающего славы.

Снизу прописан девиз академии, берущий исток у Вергилия — «это есть труд — это подвиг». 

О Р Д Ж О Н Е

Джованни Беллини

любил женщин, музыку

умер или от неразделенной любви или от чумы

1497 г. – первая самостоятельная работа

«Христос ,несущий крест»

и человеке жизненных сил, присутствие которых раскрывается не в действии, а в состоянии всеобщей молчаливой одухотворённости


БОЛЬШОЕ ВНИМАНИЕ УДЕЛЯЛ ПЕЙЗАЖУ


НЕДОСКАЗАННОСТЬ

бумаги, на которой можно прочесть: «Со временем», и указывающая на себя. Очевидно, речь идет об аллегории, наводящей на размышления о беспощадном беге времени и бренности земной красоты. Помимо символического смысла, это необычный портрет, отличающийся исключительной естественностью и полный горькой меланхолии, которая отражается в усталых глазах женщины; в ее лице, безжалостно рубленом временем, можно угадать едва уловимые следы былой красоты.

– 1510 гг .

солдат/цыганка

саму Венеру и, возможно, скалу за ней, прежде чем скончался от чумы в 1510 году. Картину закончил уже Тициан, который написал пейзаж, небо, одежды, на которых лежит Венера, и поместил Купидона у её ног. Также в некоторых местах полотна можно выделить кисть ещё одного неизвестного мастера.

Купидон, написанный Тицианом, не дошёл до наших дней. Его присутствие можно определить только при помощи инфракрасной съёмки. Именно это позволяет идентифицировать спящую женщину как Венеру, однако нельзя со всей точностью утверждать, что именно таким был первоначальный замысел Джорджоне. Инфракрасное исследование показало, что у Купидона в руках были стрела и птица, придававшие картине явный эротический символизм.

его смерти.

На картине изображены три философа разных возрастов – юноша(философия эпохи Возрождения), мужчина средних лет(арабская философия) и старик(древнегреческая философия).

эпохи обычно направлен прямо, рождая ощущение контакта со зрителем. Молодой человек смотрит в сторону, это создаёт особую, меланхоличную атмосферу и взаимодействие не на рациональном, а эмоциональном уровне. В этом произведении удачно соединились индивидуальные черты с образом идеального человека Возрождения.
Смягчённые очертания контуров свидетельствуют о том, что Джорджоне был знаком с приёмом сфумато, разработанным Леонардо да Винчи.

«Портрет молодого человека»

прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

братьев Беллини

пронизывает их стремительным движением,
пользуется интенсивными контрастами синих и красных цветовых пятен», создает эпические полотна на религиозные и мифологические темы

около 3,5 метров, выполненная Тицианом для венецианской церкви Санта Мария деи Фрари.
После исполнения «Ассунты» (assunta – ит. вознесшаяся) Тициан был признан первым художником Венецианской республики.

молящимся Альвизе Гоцци» 1520 г.

изображениями на классические мифологические темы. Полотно было заказано Рафаэлю на тему «Торжество Вакха». Однако Рафаэль умер в 1520 году, успев написать лишь предварительный рисунок и заказ был передан Тициану. Полотно было дважды свёрнуто в течение первого столетия после написания, что привело к катастрофическим для картины последствиям. В 1806 году картина попала в Великобританию и, начиная с конца XIX века, постоянно реставрировалась для остановки опадения краски с холста.

«Вакх и Ариадна»
1520 -1523 гг.

характер портретируемого

картины, однако благодаря нахождению выше остальных и игре света остаются смысловым центром сюжета.

Две огромные колонны на заднем плане, освещенные внизу божественным светом, уходят в небо, расширяя пространство картины

изображал художник современников, запечатлевая самые различные, порой противоречивые черты их характеров. С редким искусством Тициан находил для каждого портрета наилучшее композиционное решение, выбирал характерные для модели позу, выражение лица, движение, жест. С 1530-х гг. в каждой картине Тициан находил неповторимо индивидуальное колористическое решение. Колорит складывался из тончайших тональных оттенков, причём тщательно дифференцировались ведущие и подчинённые краски, слагающиеся из еле уловимых нюансов. Этот развитый колоризм Тициан в немалой степени определяет глубочайший психологизм и эмоциональность тициановских портретов. Колористический строй произведения художник выбирал с таким расчётом, чтобы эмоциональное звучание цвета отвечало главным чертам характера человека.

со словами «се человек» на истерзанного пытками Христа, шумит пёстрая и нарядная толпа людей. Композиция строится на укрупнённых, динамических ритмах, язык поз и жестов аффектирован и усложнён. Особо примечателен образ юноши в левом углу картины. Человек с ужасом и страхом осознаёт случившуюся трагедию. На фоне радостных и беспечных лиц, имеющих власть над Христом, это выглядит с подчёркнутым драматизмом.

Тициана, созданных для испанского короля Филиппа II в 16 веке. В то время они считались настолько откровенными, что их завешивали гардиной в присутствии дам. В настоящее время выставлена в музее Прадо в Мадриде.

одним из 7 знаменитых картин Тициана, изображающих мифологические сцены из «Метаморфоз» Овидия, которые были написаны художником для Филиппа II Испанского.
На картине запечатлён момент мифа, когда Актеон неожиданно застаёт обнажённую Диану, вызвав гнев богини

зеркало. Румянец на её лице подчёркивает её молодость и красоту. Её лицо повёрнуто к зрителю почти в профиль, а её отражение в зеркале фактически является «картиной в картине». Считается, что положение рук Венеры на картине Тициана изображено в соответствии с мраморной скульптурой Праксителя «Афродита Книдская»

Тициан высоко ценил эту картину и не хотел никому её продавать, так что она оставалась в его доме до конца его жизни. После смерти Тициана в 1576 году картина перешла по наследству к его сыну Помпонио Вечеллио

красочный хроматизм. Мастер строит колористическую гамму, подчинённую приглушённому золотистому тону, на неуловимых оттенках коричневого, сине-стального, розово-красного, блёкло-зелёного.
Поздние картины Тициана переливаются множеством полутонов, приобретающих воздушность. Манера письма художника обретает исключительную свободу. И композиция, и форма, и свет строятся с помощью красочной лепки.

К концу жизни Тициан выработал новую технику живописи. Он накладывал краски на холст и кистью, и шпателем, и пальцами. Прозрачные лессировки в его поздних картинах не скрывают подмалёвка, обнажая местами зернистую фактуру холста. Из сочетания многообразных по форме свободных мазков, как бы обнажающих творческий процесс художника, рождаются образы, исполненные трепетной жизненности и драматизма.

несложно догадаться – Иисус Христос. Тициан изображает его мускулистым мужчиной, что придает ощущения силы и способности к борьбе. Человеческие фигуры занимают практически всю площадь полотна, задний фон не четко прописан, немалая площадь отведена также и гробу, на котором, кстати, художник размещает собственную подпись. Картина довольно яркая. Христос традиционно изображается в белом, олицетворяющем чистоту и свет.

очертания тонущей во мгле, тускло освещённой огнём светильника колоссальной арки портала, ожесточённо движутся фигуры палачей, скрещиваются над головой Христа копья. В центре ожесточённого движения предстаёт спокойная и благородная фигура Христа, устало и скорбно приоткрывающего глаза. Герои позднего Тициана гибнут под натиском тёмных сил действительности, изведав и душевную боль, и физические страдания. Но для самого художника они остаются высшим воплощением человечности и высокого благородства.

в которой Дева Мария поддерживает тело Христа с помощью коленопреклонённого Никодима. Слева от них стоит Мария Магдалина. Эти фигуры образуют идеальный треугольник.