Презентация, доклад по МХК на тему Искусство символизма (11 класс)

Костомукшский ГО

полна Пророчеством великого виденья…
Хотим прекрасное в полете удержать, Ненареченному хотим названье дать — И обессиленно безмолвствует искусство?

В.А.Жуковский






Так безмолвно ли искусство?

«Фигаро» Жан Мореас опубликовал «Манифест символизма» .
Главный тезис – искусство призвано выражать и облекать в плоть невыразимое и бесплотное.

Любовь, смерть, страдание – так называемые вечные темы, главные мотивы символизма в изобразительном творчестве

СИМВОЛИЗМ- художественное направление, возникшее во Франции в 1870—1880-х годах, охватывающее такие сферы искусства, как живопись, литература, музыка и т.д.
В основе искусства символизма лежала идея двойственности мира.

XIX - XX вв. явилось то, что впервые были теоретически обоснованы его характерные черты.
Символизм дал мощный импульс для успешного развития многих видов искусства, и прежде всего поэзии, живописи, театра и музыки.
Символизм не хотел быть только художественной школой, литературным течением. Он все время порывался стать жизненно творческим методом.
Символизм упорно искал в своей среде героя, который сумел бы сшить жизнь и творчество воедино.
Символизм имел немало общих черт с романтизмом: обращение к миру чувственной интуиции, поиски идеи и истины в потустороннем, мистическом пространстве, воспроизведение картин далекого прошлого (прежде всего Античности и Средневековья).

Символ – от греч. «знак, символ»

должен «расшифровывать» скрытые значения вещей и явлений, облекать их в осязаемые формы, т.е. «объектировать субъективное».
Искусство символизма оперирует художественными метафорами и аллегориями.
Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность.
Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Всё «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.
Формула символизма - воображение, создающее аналогии или соответствия и передающее их образы.

Редон (1840 - 1916) Франция
Микалоюс Чюрлёнис (1875 – 1911) Литва
Михаил Врубель (1856 – 1910) Россия
Виктор Борисов- Мусатов (1870 – 1905) Россия и др.

горного инженера, он собирался посвятить себя естественным наукам, но два путешествия по Италии (1847—1848) пробудили в нем желание стать художником. Пюви де Шаванн учился в мастерской Анри Шеффера, позднее — у Тома Кутюра. В течение двух недель будущий художник был учеником прославленного Эжена Делакруа.
После Делакруа Пюви де Шаванн
попытал счастья в мастерской Кутюра. Однако наибольшее влияние на развитие его индивидуальности оказали фрески мастеров Раннего Возрождения и творчество Энгра.

В 1850 г. Пюви де Шаванн впервые показал свои работы в Салоне, однако успеха у публики не имел. В последующие годы его полотна неоднократно отвергались жюри.

1861 г., когда он выставил в Салоне свои картины «Война» и «Мир», принесшие ему официальное признание. Настоящая известность пришла к Пюви де Шаванну после создания двух композиций «Надежда» (1871 и 1872 гг.). Обе картины предельно просты: молодая девушка, аллегория Надежды (в одном варианте обнажённая, в другом — одетая в белое платье), изображена на фоне скромного весеннего пейзажа. Фигура помещена на переднем плане, пейзаж создаёт ощущение плоского фона. Благодаря этому оливковая ветвь (символ мира) в руках обнажённой девушки кажется деревом на заднем плане.

Надежда» 1872

Надежда» 1871

лучшие произведения монументальной живописи — цикл панно «Жизнь св. Женевьевы» для парижского Пантеона (бывшей церкви Св. Женевьевы). Огромные холсты представляют собой последовательный рассказ о жизни святой, однако каждый из них самодостаточен.

«Св. Женевьева, созерцающая Париж»

Панно «Священная роща, возлюбленная музами и искусствами» 

1881 году в салоне была впервые выставлена картина Картина «Бедный рыбак» Художник описал картину в частной переписке, сказав, что здесь изображен рыбак-вдовец, оставшийся с двумя детьми. "Бедный рыбак" был встречен довольно враждебно и вызвал много споров среди современников. Во многом она стала выражением творческого кредо художника.
Герои картины кажутся разобщенными, как будто ничто не связывает их. Худой рыбак погружен в свои мрачные мысли, его дочь беззаботно собирает цветы на берегу, а крошечный ребенок, одинокий и беспомощный, лежит среди прибрежной травы. Печалью и одиночеством веет от унылого пейзажа: пустынного берега и гладкой поверхности воды.
Поза рыбака сдержанно передает его эмоции, а ландшафт играет в полотне значительную роль, картина природы полностью раскрывает владеющие человеком чувства и тягостные мысли.
Картина воспринимается как символ скорби и печали. Красота жизни остается только в мечтах и воспоминаниях.

Гюстав Моро

Человек с классическим удожественным образованием и огромными познаниями в области искусства, Гюстав Моро стал одним из лидеров символистов.
Его картины используют историчес-
кие мотивы, классические цветовые
сочетания и авангардные методы изображения.     
На его творчество оказали серьезное влияние мотивы, которые часто использовались в картинах известных художников прошлого — исторические, библейские, легендарные, сказочные, эпические. Отсюда мастер черпал идеи для своих будущих полотен с ярко выраженным мистическим началом, характерным для символизма.

Однако, в отличие от классических мотивов картин, стиль изображения у него был совершенно передовым, в духе времени, с поисками особых эффектов и авторского почерка.  

оценено его современниками. В 1868 году он становится председателем на художественном конкурсе, а в 1875 году его достижения в искусстве оказались отмеченным Орденом Почетного Легиона — высшей наградой, вручаемой за заслуги перед Французской Республикой. В 1888 году Гюстав Моро стал членом Академии искусств Франции, а в 1891 году начал преподавать в качестве профессора в школе «изящных искусств» в Париже.    Через пять лет после смерти Гюстава Моро в 1898 году в его парижской мастерской был организован музей. Его произведения находятся во многих музеях Франции и мира, в том числе и в Лувре Музей Гюстава Моро.

Саломея, танцующая перед Иродом. 1876, музей Гюстава Моро, Париж

Моро.

Эдип и сфинкс. Гюстав Моро

Дездемона. Гюстав Моро

Леонардо да Винчи, Эжена Делакруа, Франсиско Гойи и Жана Батиста Камиля Коро, а также знакомство и общение со знаменитым графиком Родольфом Бреденом.
Эти черно-белые произведения («черноты» - как именовал их сам живописец) выпускались в свет небольшими сериями: «Апокалипсис святого Иоанна», «В грезе», «Истоки», «Эдгару По», «Ночь», «Гюставу Флоберу», «Цветы зла», «В честь Гойи», «Сновидения», «Искушения» (1879-1896 годы).

Автопортрет

Клаво, занимавшимся изучением связи животных и растений. Французский живописец яростно увлекся идеей одушевленности всей природы и чувствительности растений. Мечтатель по преимуществу, воплощавший в живописи и графике фантасмагорические и духовные образы, Редон Одилон много рисовал и писал с натуры.

Прежде всего, в работах талантливого мастера отражались порождения его фантазии: игрок с огромной игральной костью на плечах, или растения с глазом и головой человека. В графике художника отображались образы мирового зла, самым ярким из которых явилось изображение паука с человеческим, злостно улыбающимся обликом.

и пастели, расписывал стены монастырей и вилл клеевой краской, делал для гобеленов картоны и декорировал ширмы. Его творчество сосредоточено вокруг центральных мотивов призрачного мира, будь то глаз, лодка, цветок, ставшее «ликом» человеческое лицо. Или мотив зарождения живых существ, с приходом которых мир наполняется страданием, злобой, завистью, жадностью и смертью.

«Циклоп».1898

Среди характерных работ можно выделить произведение «Циклоп», «Черная ваза с цветами», «Женщина среди цветов», и др. Его живописи 1900-1910 годов в большей степени характерны изображения букетов в вазах и женщин среди цветов. Редон Одилон насыщает свои произведения светом, заставляет гореть и светиться краски, стремится найти форму художественного выражения, способную пробудить в зрителе желание мыслить и анализировать.

и неординарные музыкальные способности, отец начал обучать его музыке…. Осенью 1901 года Чюрленис едет в Германию, где становится студентом Лейпцигской консерватории. Здесь он все больше говорит о занятиях живописью…. Вскоре в юноше проснулась невероятная тяга к живописи, с которой он был не в силах совладать.
Отныне музыкальные и художественные интересы постоянно пересекаются, определяя широту и разносторонность его просветительской деятельности в Варшаве.

Он посещает художественную студию. Чюрленис стремился к тому, чтобы живопись зазвучала, а краски подчинились музыкальному ритму. В 1903 году он создает свою первую картину «Музыка леса».

деревенские пейзажи со свинцово-серым небом, избушками, заснеженными холмами и темными стволами деревьев. Они сделаны по рисункам с натуры. Позже в натурные мотивы все сильнее вторгается воображение художника.

Из ранних картин: «Покой» «Тишина»

В 1908 году Чюрлёнис уезжает в Петербург вместе с женой. В Петербурге у них не было ни работы, ни денег, ни друзей.
Он был страстно увлечен русской культурой. Именно здесь он сочинил свою лучшую музыку и написал свои лучшие картины.

художниками, такими как Мстислав ДобужинскийМстислав Добужинский, Леон БакстМстислав Добужинский, Леон Бакст, Рерих… В Петербурге у него завязался надежный контакт с кружком Александра Бенуа.
К тому времени Чюрленисом уже были созданы наиболее известные его циклы картин – «Сонаты», состоящие из частей Allegro, Andante, Scherzo и Finale, а также «Прелюды и фуги». Чюрлёнис стал создателем жанра живописной сонаты, в котором синтезировал приёмы музыки и живописи: «Нет рубежей между искусствами, музыка объединяет в себе поэзию и живопись и имеет свою архитектуру». (М. Чюрленис).
«Соната солнца» - это радостный гимн животворящей силе солнечного тепла… Финал… С удивлением узнает наш взгляд, что на колоколе развернулась панорама преображенных фрагментов трех первых картин «Сонаты Солнца». Финал соединил все части сонаты в целое!

Аллегро Анданте Скерцо Финал

зрелого Чюрлениса,… в истории всей европейской культуры являются уникальными образцами синтеза музыки и живописи.  Это не «нарисо- ванная музыка», а в живописи композитором сознательно использованные пластические соответствия средствам музыкальной выразительности – ритма линий и плоскостей, гибких форм, «наложений» нескольких слоев пейзажа, создавая эффект расширенного пространства
Символически-обобщённая, тонкая цветовая гамма в живописи Чюрлениса переносит зрителя в мир сказки – «Сказка», цикл «Сказка королей», фантасти- ческих видений, мистики, народных представлений и суеверий «Весна», «Зима», «Жемайские кресты», сохраняет связь с музыкальным творчеством Чюрлениса «Соната солнца», «Соната весны», «Соната моря», «Соната звёзд».

«Зима» (III). 1907 г.

«Весна». 1908 г.

«Короли». 1909 г.

последнюю картину – «Rex». Она не похожа на две первые с таким же названием.
Над ступенчатым светильником горит яркое пламя, оно озаряет фигуру огромного, сидящего на троне «Rex’a», и его еще большая тень отбрасывается на множественные сферы миров. Снова и снова строит Чюрленис вселенную, снова зажигает огни светил и пламя светильников и дирижирует невидимым оркестром, звуки которого сливаются в гармонии сфер. И в «Rex’e» мы видим, как «наплывают» друг на друга пространства, как «небо» одного становится «землей» другого...
Изображение «Rex’а» напоминает огромный маятник, в сфере которого отражаются и предвечные воды, и неугасимый светильник космического творчества. Крылатые люди хранят его, неся Дозор в запредельных глубинах Космоса.

Чюрленис проник в самую важную его тайну, ощутил его творящую силу, но так и не успел объяснить ее людям. Он только ее нарисовал. Живая Этика назовет ее Космическим Магнитом.

из самых значительных и загадочных явлений русского искусства конца XIX века. Великое мастерство, трагизм, героический дух и неповторимый декоративный дар делают Врубеля художником на все времена.
Вечно живущий в своем собственном мире, недоступном пониманию других, Врубель смог воссоздать свой сложный мир в образах своего необычного искусства, и эти образы стали одними из важнейших вех русской культуры рубежа столетий.
Художник разрабатывал темы добра и зла, противоречий человеческого духа и оказался конгениальным великому поэту.

В. Серов. Портрет Врубеля. Начат с натуры в 1906 году в клинике Усольцева, опубликован в 1907 году.

и опер Н.А. Римского-Корсакова («Морская царевна», «Тридцать три богатыря» и др.). Яркая фантазия и глубокое осмысление сути человеческого бытия рождали такие картины, как «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Пан».

«Пан».

«Царевна-Лебедь». 1900 г.

Сирень. 1900 г.

Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов. Фоном картины является горная местность в алом закате. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

Демон сидящий. М.Врубель. 1890 г.

и в портретном творчестве М.Врубеля: «…Портрет тоже можно написать не в реальном, а и в фантастическом плане, всегда начинай с какого-нибудь куска, который напишешь вполне реально…»

Портрет С.И.Мамонтова. 1897 г. Портрет Брюсова. 1906,

преобразующую роль искусства, художник обретал силы и смысл творчества в романтической жажде утвердить светлый мир красоты и поэзии в противовес прозе
и сухому рационализму.
Персонажи его картин — воплощение
мечты художника об идеале.
Он стремится в живописи передать безмолвное, но внятное собеседование человеческих душ, как бы прислушивающихся к себе и к миру в
поисках отзвуков извечных законов красоты.

Мироощущение и особый строй образов раскрываются в жанровых, колористических и композиционных поисках, в обращении к языку иносказаний.
Пейзажные этюды составляют большую часть его ранних произведений.

Весна. 1901 г.

привлекает изображение человека в пленэре. Задача штудирования обнаженной натуры, изучение эффектов солнечного освещения, стремление достигнуть декоративности, используя локальный цвет, в этюде «Мальчик с собакой» (1895), сочетаются с попыткой образного решения мотива. В застывшей в неудобной позе детской фигурке видится не напряженность натурщика, а самозабвенная поглощенность игрой.

Созданная в 1902 году картина «Водоем» знаменует вступление Борисова-Мусатова в пору зрелости и расцвета. В ней высказаны его сокровенные мечты и творческие идеи. Две женские фигуры на берегу пустынного водоема ведут молчаливый диалог. Слева в розовой шали – сестра художника Елена, справа – невеста Елена Александровна… На мгновение они как будто обменялись только им понятным взглядом... И каждая вновь погрузилась в тихое созерцание…

Естественность ребенка наедине с природой рождает ощущение интимности . образа.

его полотен – органично слиты с миром окружающей природы, погружены в безмолвное созерцание.

Реквием. 1905 г.

Дама в голубом. 1902 г. Изумрудное ожерелье. 1903 г.

розы»: Н.Н.Сапунова, С.Ю.Судейкина, Н.П.Крымова, П.В.Кузнецова и др.

Театрально-декорационное искусство стало главным делом художника С.Судейкина. Он сотрудничал со многими театральными деятелями тех лет.

Балет. 1910 г.

«Парк перед замком. Эскиз декорации к "Лебединому Озеру" Чайковского». 1911 г.

если твой талант крупица, Соделай с нею чудеса, Взрасти безмерные леса И сам, как сказочная птица, Умчись высоко в небеса, Где светит вольная зарница, Где вечный облачный прибой Бежит по бездне голубой.

Константин Бальмонт