Презентация, доклад к уроку ИЗО Виды изобразительного искусства

действительность, оказывают воздействие на мысли и чувства зрителей.

дереве, плоскости стены и т. п. предметов и явлений реальной действительности. Как и другие виды искусства, живопись — форма отражения реального мира, средство познания жизни и общественного воспитания.

на какую-либо поверхность, называется живописью.

Серов В.А.
«Девушка, освещенная солнцем»

Саврасов А.К.
«Грачи прилетели»

с помощью пера, угля, карандаша, кисти, а также рисунок, воспроизведенный с помощью специальных приспособлений и машин, печатающих его в большом количестве экземпляров.

«Роберт Берне в переводах С.Маршака»

В. Вучетич. Памятник-ансамбль героям Сталинградской битвы на Мамаевом кургане в Волгограде. 1963 — 1967.

Томский Н.В. Волгоградский рабочий. Мрамор. 1956

ОПЕКУШИН А.М.
Памятник А.С.пушкину

Гуггенхейма

Театральная площадь. Петербург

стадионы, поселки и целые города. Каждое из сооружений имеет определенное назначение: для жизни или труда, отдыха или учебы, торговли или транспорта и пр. Все они прочны, удобны и необходимы людям — это их обязательные свойства. Но есть у этих сооружений и зданий и другие важные свойства — красота и способность вызывать у зрителей определенные чувства и настроения. Именно эти качества и делают архитектуру искусством, и, как всякий вид искусства, архитектура тесно связана с жизнью общества, его взглядами и идеологией.

практическое назначение в быту и отличающихся декоративной образностью (посуда, мебель, ткани, одежда, украшения, игрушки и т.д.)

от Москвы. Слово "гжель" сегодня невероятно популярно. С ним ассоциируется красотой гармония, сказка и быль. Фарфор с нарядной синей росписью и многоцветная майолика известны теперь не только в России, но и за ее пределами. Гжельские изделия привлекают к себе всех, кто любит прекрасное, богатой фантазией и гармоничностью, высоким профессионализмом их создателей. Гжель - это колыбель и основной центр русской керамики. Здесь сформировались ее лучшие черты и проявились высшие достижения народного искусства. Сколько же лет этому русскому народному промыслу? Археологические исследования на территории Гжели подтверждают существование здесь гончарного ремесла с начала XIV века. И неудивительно, гжельская земля издавна была богата лесами, реками, высококачественными глинами,.. "которой нигде не видал я белизною превосходнее". С тех пор за свою более чем шестивековую историю Гжель переживала разные периоды.

Со второй половины XVIII она праславилась выпуском майоликовой посуды. Это были изделия из цветных глин с яркой многоцветной росписью по белой эмали. В XIX веке гжельские мастера изобрели новый для себя материал и новую технологию: выпускали полуфаянс, затем фаянс и, наконец, фарфор. Особый интерес представляли изделия, расписанные в один цвет - синей подглизурной краской, наносимой кистью, с графической прорисовкой деталей. Выпуском фарфора и фаянса занимались многочисленные мелкие заводы и крупные предприятия. Конец XIX - начало XX веков стали периодом глубокого кризиса. Казалось, гжельское искусство погибло навсегда. Послевоенное время связано с началом возрождения промысла и поиском своего образного языка. Для этого потребовались годы кропотливой и неустанной работы, обучение новых мастеров. В результате это привело к успеху. В 1972 году создано объединение "Гжель", на основе шести маленьких производств, расположенных в нескольких деревнях. Творческие группы разрабатывали новые образцы. Были созданы полностью новые формы изделий. Живопись стала более богатой, и выполняет художественные требования существующего дня. Сегодня объединение "Гжель" - современное предприятие, в состав которого входят 6 производств с персоналом, состоящим из 1500 высококвалифицированных рабочих. Гжель - это вазы, статуэтки, игрушки, изделия интерьера: камины, люстры и другие фарфоровые изделия. Продукты "Гжели" пользуются устойчивым спросом на Российском и международном рынке. Гжель - это композиция народного искусства и художества. В производстве фарфора Гжель следует за старыми Российскими традициями в искусстве народа. Мастера Гжели расписывают каждое изделие только вручную. У Гжели собственный стиль - синие и голубые узоры и цветы, украшения на белом фоне. Роспись производится кобальтом, который в ходе технологического процесса приобретает характерный для Гжели синий цвет. В "Гжели" работают высококвалифицированные и одаренные художники, скульпторы и мастер технологии. В Гжели существует круглый цикл образования. Обучение начинается с детского сада, средней школы и закончивается Гжельским Художественным Колледжом и курсами аспиранта в Москве.

былинных витязей манили его с ученических лет и во время увлечения передвижнической тематикой. "Как я стал из жанриста историком несколько на фантастический лад, на это ответить точно не сумею. Знаю только, что во время самого яркого увлечения жанром... меня не покидали неясные исторические и сказочные грезы [...]", – писал живописец.
       Предположительно картина была задумана в 1870-е годы в Абрамцеве. Ей предшествовали многочисленные эскизы и этюды. Замысел получил окончательное воплощение через 25 лет.
     

позволил ему увидеть предметный мир исполненным духовного величия.
       В картине художник приходит к своеобразному соединению натюрморта и пейзажа. Золотые, светящиеся оттенками радуги плоды словно проявляются из узора на скатерти, как из чаши изобилия. Хрустальный сосуд в центре поднимает взгляд вверх, где за окном открывается не привычный городской пейзаж, а прозрачные голубые кристаллы.

Торжественная пирамида композиции передает восхождение по принципу иконного пространства – от земного к небесному, от золота земных плодов к бесплотно-голубым небесным краскам. Стол, с расположенными на нем предметами, подобен алтарю. Хрустальная чаша напоминает священный сосуд, в котором свершается таинство. Голубой утренний свет понимается художником символически, как свет духовный, позволяющий выявить скрытую сущность реальности. Свет растворяет оболочки предметов и заставляет их сиять изнутри.
       Духовное преображение мира, свершающееся в картине, выводит ее за рамки традиционного для жанра натюрморта размышления о хрупкости земного великолепия.

в 1871 году, сразу привлекла к себе внимание. Созданию ее предшествовала поездка А.К. Саврасова на Волгу, в Костромскую губернию. Как свидетельствует авторская надпись на картине, она начата в селе Молвитино (ныне Сусанино) недалеко от города Буй.
       Полотно "Грачи прилетели" знаменовало рождение нового этапа в развитии русской пейзажной школы. Путь, проложенный Саврасовым, утверждал эстетическую значимость простого, скромного мотива в природе, одухотворенного личностным отношением художника. Поэтическое видение автора превращало обыденность в светлую элегию об извечном и непрестанном обновлении жизни.
     

слегка подтаял и выглядит рыхлым и осевшим. Рядом с березками, тянущимися к еще холодному небу, проступила талая вода. Легкий ветерок словно приносит запахи тепла, дыма, пробуждающейся от зимнего сна земли. За серым дощатым забором – жалкие домишки, в глубине – каменная церковка с шатровой колокольней, а дальше расстилается равнина с сырыми проталинами и полосками снега, замкнутая сиреневой кромкой леса у сизого горизонта. Зима нехотя отступает. Хлопочут на деревьях шумные, веселые птицы, строят гнезда, радостно возвещая о близости весны.
Трепетное чувство ожидания перемен, обаяние первых дней весны присутствует и в светлом, прозрачном колорите картины. Сквозь сероватые зимние облака по-весеннему ярко проглядывает голубизна неба. Коричневатые проталины на широкой равнине спорят своей теплотой с холодными сиреневато-серыми оттенками снега.

       

дали картины.
       Это бесхитростное произведение стало для русского искусства настоящим откровением. Тонкая лирика саврасовских пейзажей противопоставляла задушевную скромность русской природы внешней красивости и парадной салонности полотен мастеров академического толка. Описывая свои впечатления о выставке, И.Н. Крамской писал в одном из писем Ф.А. Васильеву, что все пейзажи там – "это вода, деревья, даже воздух, а душа есть только в "Грачах"".

море начинает разыгрываться буря) знаменует расцвет дарования художника-мариниста И.К. Айвазовского. Его первые морские виды были населены парусными суденышками, лодками и путниками, любующимися с берега морскими просторами.        

Впоследствии маленькие морские пейзажи сменились большеформатными, подчас драматического характера. Излюбленной темой художника стало изображение мощи и красоты морской стихии.
В картине "Черное море" основное место занимает безграничное морское пространство и такое же бесконечное небо над ним. Поднимается ветер, мерно катятся волны, уже вскипают барашки пены на гребнях. Изменчив и разнообразен цвет темнеющей воды. От зеленовато-серых, серебристых и светло-изумрудных оттенков в центре цвет сгущается до темно-синей, почти черной густоты, уводящей взгляд в бездонную глубину моря. На горизонте виден крошечный парус рыбачьей лодки, спешащей домой.  
  И.Н. Крамской считал "Черное море" лучшим произведением Айвазовского.

красочный материал для акварельной живописи; отличается чрезвычайно тонкой растиркой твердого красящего вещества - пигмента. Различаются твердая, полумягкая и мягкая акварели. Акварелью называется также техника живописи акварельными красками, обычно - на бумаге, растворяя краски водой. Особенностью акварельной живописи является прозрачность тончайшего красочного слоя, причем белила здесь совсем не используются - их заменяет просвечивающий сквозь живопись белый цвет бумаги. Если же акварель употребляется вместе с белилами или накладывается сравнительно густым, непрозрачным слоем, важнейшие качества этого материала резко меняются, приближаясь к особенности гуаши.

материал, предназначенный для живописи соответствующей по названию техникой. Гуашь близка мягким сортам акварельных красок, но содержит некоторое количество белил. Гуашь - техника живописи гуашными красками. Гуашью работают преимущественно на бумаге, разбавляя краски водою, в отличие от акварели и подобно темпере живопись гуашью ведется плотным, непрозрачным слоем.

Гуашь

Его особенность - особый состав связующего вещества, преимущественно в виде смеси масла и масляного лака с водным клеевым раствором. Темпера бывает казеиновой, гуммиарабиковой и яичной (так как содержимое яйца является естественной эмульсией). Темперой называют также технику живописи темперными красками. Казеиновая темпера (лучшая по свойствам и прочности) исполняется теми же кистями, на тех же разновидностях основы и частично по тем же грунтам, что и масляная живопись. Всякая темпера дает матовую живопись и при высыхании светлеет. Но ее краски звучнее масляных и свободны от потемнения или пожелтения. Недостаток темперы в быстром затвердевании краски, которое почти вовсе исключает работу по сырому. Яичная темпера, широко распространенная в древнерусском искусстве, теперь малоупотребительна. Редкий пример этой техники в русском искусстве дают палехские лаки.

Темпера

бумаге типа ватман, имеющей шероховатую поверхность, работать пером необычайно трудно. Линии на ней выглядят прерывистыми, свобода движений руки стеснена, но опытный художник все же может ее использовать. Хорошо рисовать на мелованной бумаге, где допущенные ошибки иной раз можно исправить, пользуясь лезвием бритвы (художники мало используют эту бумагу из-за блеска и белизны). Можно рисовать пером и на тонированных бумагах. Линия и штрих, погружаясь в тон бумаги, создают впечатление живописной манеры исполнения рисунка.

 Для рисунка кистью бумага выбирается с обезжиренной поверхностью и хорошим зерном, белая, а иногда тонированная каким-либо нейтральным цветом. Для длительной работы желательно иметь бумагу высокого качества. Также для рисунка кистью подойдет любая мелко-, среднезернистая акварельная бумага.
 

Тушь

чертежной, слегка протертой мелким наждаком или жесткой резинкой. Для рисунков углем можно использовать так называемую мундштучную бумагу.     Для выполнения длительных рисунков бумагу надо наклеить на рисовальную доску или толстый картон.     В средние века художники пользовались грунтованной бумагой (покрытой смесью цветного порошка, мела и клея).

Уголь

спиртовой. Фломастеры на спиртовой основе легко скользят по бумаге, поэтому она должна быть идеально гладкой и хорошо впитывать. Чернила, не растекаясь, проникают в бумагу, которая остается влажной настолько, чтобы ассимилировать другую наложенную поверх краску; высыхает умеренно быстро.     Фломастером можно работать на любой бумаге, в том числе и тонированной, но необходимо помнить, что при использовании тонкой и рыхлой бумаги чернила могут проступать с другой стороны листа. Поэтому лучше всего использовать плотную и гладкую бумагу, так как на такой основе фломастер не теряет своей насыщенности

Фломастер

любой бумаге: от низкокачественной оберточной до мелованной высокого качества. Но если чернила фломастера на рыхлой бумаге могут проступать с другой стороны листа, то с ручками такой проблемы не возникнет. Гелевой ручкой светлых, серебристых, золотистых оттенков можно работать на тонированной бумаге, даже черной.

Ручка

размолотого пигмента.
Работа мягкими нежными палочками пастели требует шероховатого ворсистого основания, способного удержать красочный порошок. В старину художники рисовали даже на замше. Пастелью можно рисовать и писать. Иногда художник передает форму в основном линией, штрихом, контуром, а все цветовое решение проводит как подкраску, всего несколькими тонами. Получается подкрашенный рисунок. Но можно пастелью создавать и настоящую живопись, передавая всю сложную гамму цветовых отношений натуры. При этом художник может добиться цветового звучания мелкими многоцветными штрихами. Штрихи эти можно смешивать, растирая пальцем, растушевкой или сухой кистью, но можно оставлять и в чистом виде, подобно мозаике.
При многих достоинствах пастель имеет один очень существенный недостаток - она слабо сцепляется с основанием и довольно легко осыпается, поэтому выполненную работу часто закрепляют специальными фиксативами.

Пастель

мокром виде. Для работы сухой сепией бумагу лучше применять с зернистой, шероховатой поверхностью. Так же можно использовать тонированную бумагу, но так как сепия не дает такие глубокие, тона как уголь, не стоит брать бумагу темных тонов. Для работы сепией в мокром виде лучше использовать акварельную, мелкозернистую, плотную бумагу

Сепия

длительных рисунков лучше употреблять бумагу типа ватман и все плотные с шероховатой поверхностью. Для набросков можно использовать бумагу низших сортов, по возможности зернистую, годится и оберточная бумага. Часто художники рисуют сангиной в сочетании с другими материалами, например с углем, карандашом, мелом, на картоне, тонированных бумагах, лучше серых, голубоватых, зеленоватых и других цветов холодных оттенков, ею можно работать и на грунтованном холсте.

Сангина

Ф. И. Шубной с детства занимался старинным северным ремеслом - резьбой по кости. И мечтал овладеть более сложными формами скульптурного мастерства. По примеру своего великого земляка М. В. Ломоносова, в возрасте девятнадцати лет отправляется он в столицу. В Петербурге, пройдя через ряд мытарств, он поступает в 1761 г. в учрежденную незадолго до этого АХ. Скульптурный класс вел тогда приглашенный из Парижа мастер Н. Ф. Жилле, под руководством которого Шубин (эту фамилию ему дали в АХ) овладел основными приемами европейского скульптурного мастерства.

В 1767 г., закончив академический курс, Шубин в качестве одного из первых пенсионеров отправляется для совершенствования в своем искусстве сначала в Париж, затем в Рим. В Париже он работает под руководством знаменитого ваятеля Ж. Б. Пигаля - энергичного и смелого новатора в скульптуре. В Риме (1770-72) Шубин изучает античную скульптуру. Здесь же он выполняет свои первые, но вполне зрелые работы (бюст Ф. Н. Голицына, портреты-барельефы И. И. Шувалова и Ф. Г. Орлова, все 1771), которые приносят ему успех и внимание ценителей искусства.

Екатерина II - законодательница. 1789-90. Мрамор

Портрет Павла I. 1798-1800. Мрамор

окунулся в художественную жизнь столицы. Он становится излюбленным портретистом придворной знати. В 1774 г. за бюст Екатерины П получает звание академика. Творческий диапазон скульптора разнообразен, он включает и монументальные произведения, и декоративную пластику, и рельефы. Но основной интерес и творческое внимание Шубина находятся именно в сфере портретного бюста. За три десятилетия он создал уникальную портретную галерею, где представлено русское общество того времени. Здесь и екатерининские фавориты - Орловы, Безбородко, Завадовские, Румянцевы, Потемкины, Зубовы, и просвещенная знать - Голицыны, Шереметевы, Шуваловы, и деятельная интеллигенция - M.B. Ломоносов, И. Г. Шварц, И. И. Бецкой, и крупный промышленник И. С. Барышников. Скульптор дает выразительную, правдивую, умную и меткую характеристику каждой из своих моделей. Всегда четко схватывая неповторимые особенности внешнего облика человека, Шубин проникает в глубину его характера, погружается в стихию его внутренней жизни.
Человеческая личность предстает во всей своей многогранности, противоречиях и контрастах.

Генерал -фельдмаршал граф П. А. Румянцев-Задунайский. 1778. Мрамор

Портрет графини Марии Паниной. 1770-е. Мрамор

властность характера сочетается с острым, зрелым умом и благородной снисходительностью, энергия - с усталостью. Сложность и богатство натуры портретируемого выявляются здесь не сразу, а при внимательном взгляде на его изображение. Художник как бы призывает обойти вокруг бюста, представляя модель в энергичном повороте, компонуя весь объем и пластические массы асимметрично, раскрывая образ постепенно.
В этом портрете отчетливо наметились те особенности творческого метода, которые в полной мере раскрылись в последующих произведениях скульптора.
Шубин работал много и быстро. Он исполнил свыше 200 бюстов. В пору своей творческой зрелости он создавал по меньшей мере по одному произведению в месяц. Это удивительная работоспособность, особенно если учесть, что художник никогда не повторялся, не впадал в шаблон, а воспринимал каждого портретируемого свежо и остро, стремясь запечатлеть каждый образ в его неповторимости. Например, в портрете И. С. Барышникова в соответствии с характером модели, твердым и суровым, строга, жестка и трактовка пластики. Тяжелая голова и плотный торс сливаются как бы в единую массу. Простота прически и костюма не отвлекает зрителя, а концентрирует его внимание на властном и умном лице расчетливого дельца.
Виртуозно владея приемами обработки мрамора - а именно в этом материале создана большая часть его работ, - Шубин умел добиваться удивительной материальности фактуры изображаемого: мягкость и бархатистость кожи, пушистость волос, пена кружев, гладкий блеск шелка и бархата одеж ды - все это, переданное с неподражаемым

Портрет Шарлотты Михельсон.
1775. Мрамор

Шубин Ф.И. Портрет А.М.Голицина

1818 г. в Москве на Красной площади памятника Минину и Пожарскому. Над его созданием Мартос трудился более десяти лет. Скульптору удалось с убедительной силой передать патриотический подъем русского народа, вновь проявившийся во время Отечественной войны 1812 г. Сохраняя условность образов, Мартос смог привнести в них национальное своеобразие. Скульптурная группа обладает композиционной цельностью. Традиционно классическому жесту Минина, протягивающего меч Пожарскому, скульптор придал глубокий смысл: это призыв следовать велению долга, встать на защиту Отечества. На постаменте памятника - барельефы, посвященные героическому подвигу русского ополчения. Высоким гражданским пафосом, грандиозностью замысла памятник Мартоса знаменовал этап расцвета русского классицизма.

всемирную известность прежде всего своими монументальными работами. По его проектам и под его руководством созданы крупнейшие скульптурно-архитектурные ансамбли, увековечившие бессмертный подвиг советского народа в Великой Отечественной войне.
В Волгограде, на историческом Мамаевом кургане, сооружен грандиозный памятник-ансамбль героям Сталинградской битвы (железобетон, 1963 — 1967). В раскрытии идейного содержания памятника ведущее место занимает монументальная скульптура. Незабываема по силе своей выразительности композиция «Стоять насмерть» — обобщенный образ советского воина, героического защитника Сталинграда. Ансамбль завершает гигантская 52-метровая, видная с огромного расстояния фигура Матери-Родины с поднятым к небу мечом. Это аллегорический образ Советской Родины, зовущей своих воинов на новые подвиги, на борьбу за полный разгром врага.

XIX в. А. М. Опекушин получил художественное образование в Рисовальной школе при ОПХ, затем в скульптурной мастерской Д. И. Иенсена в Петербурге и, наконец, как вольноприходящий ученик в АХ, которую окончил в звании неклассного художника в 1864 г. Работал почти исключительно в области монументальной скульптуры.
Центральным произведением его творчества стал выполненный им в 1872-80 гг. памятник А. С. Пушкину для Москвы. Открытие этого памятника в 1880 г. явилось событием огромного значения в жизни страны, по выражению М. М. Антокольского, "народ нашел своего ваятеля". Отказавшись от всякой патетики, от каких бы то ни было внешних эффектов, декоративных элементов, столь распространенных в монументальной скульптуре того времени, Опекушин представил поэта в глубоком раздумье. Склоненная голова, рука, заложенная за борт фрака, медленный, словно застывший шаг - вся пластика фигуры придает образу внутреннюю углубленность, созерцательность, способствует передаче состояния творческой сосредоточенности. Первоначально поставленный в удалении от Тверской улицы в глубину бульвара, памятник в определенной степени был изолирован от больших открытых пространств; интимность окружающей среды хорошо согласовывалась с камерным решением образа.

англ. poster – вид графики, лаконичное броское изображение, рассчитанное на всеобщее внимание, как правило, сопровождаемое текстом.
Нередко плакаты выполняются не только графическими, но и живописными средствами, многие плакаты выполняются в единственном экземпляре для выставки или для вывешивания на улице, в общественном вместе.
Специфика художественного языка плаката определяется тем, что он должен восприниматься на большом расстоянии, выделяясь среди разнообразных средств информации.
Изобразительные средства плаката на первый взгляд бесхитростны и малохудожественны.
Но мнимая безыскусность обладает огромной силой обобщения и эмоционального воздействия. Поэтому подлинный плакат - всегда искусство. Его отличительная черта - тесная связь с идеологией и историей...

Андреа дель (1435 или 1436–1488), итальянский скульптор, живописец и ювелир эпохи Раннего Возрождения . Учился у ювелира Верроккьо (имя которого унаследовал), А.Бальдовинетти и др., испытал влияние Дезидерио да Сеттиньяно и А.Поллайоло. С 1467 Верроккьо выполнял заказы Медичи, правителей Флоренции. В творчестве Верроккьо реалистические тенденции, развивавшиеся во флорентийской школе XV  века, сочетались с аристократической утонченностью и изысканным декоративизмом форм, анатомическая точность и тщательность моделировки – с острой и изящной угловатостью линий. Верроккьо - автор надгробий (Джованни и Пьеро Медичи, бронза, цветной мрамор, порфир, 1412, Старая сакристия церкви Сан-Лоренцо, Флоренция), статуй (“Давид”, бронза, 1473–1475, Национальный музей, Флоренция), конных монументов (памятник кондотьеру Б.Коллеони на площади Санти-Джованни  э  Паоло в Венеции, бронза, 1479–1488, отлит в 1490), точных по характеристике скульптурных портретов (бюст Джулиано Медичи, терракота, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Немногочисленные живописные произведения Верроккьо отличаются остротой и точностью рисунка, скульптурностью в моделировке форм (“Мадонна”, около 1470, Картинная галерея, Берлин-Далем). Верроккьо был учителем многих итальянских художников –
Леонардо да Винчи, Перуджино и др.

«Дама с цветами»

«Мадонна с младенцем»

«Голова ангела»
Рисунок

, мастер цветной ксилографии , Андо Хиросиге разработал новый для японского искусства тип камерного, проникнутого тонким лирическим чувством пейзажа; виртуозно передавал зыбкие, преходящие состояния природы, атмосферные эффекты снега, тумана, дождя (серии “53 станции Токайдо”, 1833–1834, “36 видов Фудзи”, 1854–1858, и др.). Он работал также в жанре “цветы-птицы” (серия “Ласточки и камелии в снегу”, около 1830). Искусство Андо Хиросиге, ставшее известным в Европе во 2-й половине XIX  века, существенно повлияло на творчество пейзажистов – представителей импрессионизма и постимпрессионизма .

«Закат солнца в Сете»1857г.

«Лунный свет. Нагакубо» 1840г.

«Станция Камбара»
Цв. литография

Н. А. Соколова, - посвятивших 60 лет целенаправленной совместной работе, невольно изумляет и восхищает.
В 1921 году Михаил Куприянов и Порфирий Крылов объединились, начав подписываться под рисунками "Кукры", а позже к ним присоединился Николай Соколов ("Никс"). Так возникла творческая группа Кукрыниксы, главным принципом которой стала коллективная работа, обогащенная выдумкой и качеством.
Искусство Кукрыниксов в высшей степени наделено динамизмом живой, созидающей силы. Совокупность их работы - в сфере изобразительной публицистки, книжной иллюстрации, живописи, мелкой пластики, театра, литературы - дает, возможность увидеть удивительный по своей полноте срез мощного пласта нашей культуры более чем полвека. Кукрыниксы как мастера иллюстрации развернулись в полную меру своих дарований и возможностей особенно в послевоенный период.

одного цикла к другому незамедлительно. Они иллюстрировали книги А.М.  Горького, Н.В.  Гоголя, Н.С.  Лескова, А.Н.  Лескова, А.Н.  Толстого, М.Е.  Салтыкова-Щедрина, Мигеля Сервантеса, И.  Ильфа и Е.  Петрова, М.А.  Шолохова.
Перечисление наград и отличий, какими были удостоены художники за сорок послевоенных лет, достаточно полно и четко раскрывает как диапазон их мастерства, так и наивысшие достижения в различных областях искусства. В 1947 году Кукрыниксам была присуждена Государственная премия СССР за иллюстрации к рассказам А. П. Чехова, в 1949 году - за картину "Конец", в 1950 году — за иллюстрации к роману А. М. Горького "Фома Гордеев" и политические карикатуры периода 1948-1949 годов, в 1951 году — за иллюстрации к роману А. М. Горького "Мать", серию сатирических рисунков "Поджигатели новой войны".

за картину " Последний выход Керенского" . В 1975 году Кукрыниксы были удостоены Государственной премии СССР и золотой медали Академии художеств СССР за иллюстрации к сказу Н. С.  Лескова "Левша", в 1982 году — Государственной премии РСФСР имени И.Е.  Репина за оформление и иллюстрации к сатирическому роману М. Е. Салтыкова-Щедрина " История одного города" .

владеющими острым оружием политической сатиры. На второй день после нападения фашистов на СССР появился плакат Кукрыниксов, выразивший общенародную ненависть к вероломному агрессору. Гитлер тянется костлявой лапой к СССР, но красноармеец накалывает его на штык, как паука на булавку. В течение нескольких дней этот плакат стал достоянием всей советской страны, а еще через неделю -и всего мира.
За этим плакатом последовали другие: "Клещи в клещи", "Превращение фрицев", "Дойная корова", "Потеряла я колечко... (а в колечке — 22 дивизии)".
 

великая отечественная война

1942 года в "Правде" был опубликован очерк о героической смерти молодой партизанки Тани, повешенной гитлеровцами в деревне Петрищево ,что в нескольких десятках  километров от Москвы. Сильное впечатление произвела на них фотография головы казненной девушки — с обрывком петли на шее. 
 Решено было написать картину об этой мужественной партизанке, оказавшейся московской комсомолкой Зоей Космодемьянской. Художники решили поехать в деревню Петрищево,  встретиться с жителями, которые были очевидцами расправы над партизанкой .Они узнали о том, как издевались над Зоей, как били и пытали ее, а потом босую выгнали на мороз. Они представили себе,  как, с трудом передвигая обмороженными ногами, шла Зоя к месту казни,  как, гордо сжав кулаки, стояла она перед фашистами. Картину художники назвали "Таня", так назвала   себя юная партизанка.

 

картина варварского разрушения предстала перед ними. Они долго ходили по пустынному городу. В кремле их поразило необычайное зрелище: на белом снегу лежали огромные черные, как бы обуглившиеся фигуры людей. Оказалось, это валялись бронзовые фигуры новгородского памятника "Тысячалетия России", размонтированного фашистами для отправки его в Германию. Но гитлеровцы так стремительно бежали из Новгорода, что им было уже не до памятника. Глядя на эту страшную картину на фоне израненного собора, художники  решили написать картину о бегстве фашистов из Новгорода. "Бегство фашистов из Новгорода" —  одно из наиболее значительных  полотен военного времени.

10 дней после окончания войны они побывали в убежище Гитлера. Тогда-то они и решили написать картину "Конец". ...Глубоко под землей бункер Гитлера. Берлин вот-вот падет. .Штурмуют рейхстаг. А в бункере те , кто развязал эту страшную войну. Они понимают ,что конец близок. Сопротивление бесполезно. У Гитлера обезумевшие глаза, один из его сподвижников со страхом смотрит в какой-то угол. А рядом пьяные офицеры. Все кончено... Война проиграна...
 
Работы  Кукрыниксов, талантливых, остроумных художников, вошли в сокровищницу русской живописи.

департаменте "

 "Чартков несет 
портрет" 

"Чичиков"