Презентация, доклад по истории искусств на тему: ЭВОЛЮЦИЯ ДРЕВНЕГРЕЧЕСКОЙ СКУЛЬПТУРЫ

Преподаватель ИЗО
МБУ ДО ДШИ а. Тахтамукай
Джасте Саида Юрьевна

развитии какого-либо явления.
Термин «Архаика», принятый среди историков начиная с XVIII в., применяется главным образом в искусствознании для обозначения раннего периода древнегреческого изобразительного искусства (7–6 вв. до н. э.). Возник термин в ходе изучения греческого искусства и первоначально относился к этапу развития, в основном декоративного и пластического.
Большое место в искусстве архаики занимала скульптура, которая украшала не только храмы, но и была составной частью религиозного культа.
Новый идеал красоты – здоровое человеческое тело – воплощен в дошедших до нас статуях.

ментальности,
а также основных видов искусства:
Архитектуры, в которой формируются ордеры, в частности дорический и ионический,
а также скульптуры и вазописи.
Именно в эту эпоху происходит рождение греческой монументальной пластики.

древние авторы. Это были плохо обработанные в основном деревянные идолы (ксоаны). Также использовались бронза и терракота. До нас эти памятники не дошли.

Культовая статуэтка, мел, кикладская культура, 1900—1800 гг. до н. э., Музей Кикладского искусства, Афины. Максимально простые формы скульптуры раннего периода дают представление о том, на что могли быть похожи объекты поклонения следующей эпохи.

Миниатюрные повторения ксоанонов позднего периода. Дерево. Высота — 18,8 см и 16,7 см. Конец VII в. до н. э. Сиракузы, Национальный музей.

к традициям восточной скульптуры (в частности, микенской скульптуры и египетской статуи с выставленной вперед левой ногой). Это можно объяснить тем, что в Греции того времени нет собственных мастеров и школ, поэтому для работ в конце 8 – начале 7 века до н.э. приглашались иностранные мастера (с Крита, из Египта и Финикии), которые привносят свои приемы и технику.
Самые ранние каменные статуи относятся к первой трети 7 века до н.э. В их появлении большую роль сыграли критские художники. Недаром античное предание называет греческих скульпторов «дедалидами», учениками легендарного ваятеля Дедала, который работал у критского царя Миноса.

«Фараон Микерин и царица Хамерернебти II», ок. 2548—2530 до н. э., Бостон

и происходит рождение собственно греческой пластики. Важно, что на этом этапе у мастеров еще отсутствует сюжетное мышление, поэтому скульптура бессюжетна. Интересы сводятся к освоению нового материала (камня) и изучению анатомии человеческого тела.

условно) выделить три периода: 
ранняя архаика (конец 8 – начало 6 в. до н.э.),
зрелая архаика (начало 6 в. до н.э. – 530 г. до н.э.) и 
поздняя архаика (530 – 490 гг. до н.э.).

ныне, в значительной степени сохраняют схематизм и условность геометрического искусства. Один из самых ранних памятников здесь – Дама из Оксера, созданная в начале 7 века до н.э. Изображена либо богиня, либо фигура адоранта. При очень небольшом размере (около 50 см), скульптура выглядит очень монументально. Интересно, что для Греции характерно стремление к скульптуре выше человеческого роста. Мелкая пластика применяется в основном для вотивных статуэток, особенно популярных в эпоху эллинизма.

Дама из Оксера. Лувр

Дама из Оксера. Реконструкция.

со зрителем, гипертрофия жеста, сугубо восточная символика скульптуры, отсутствие фактурности материала (волосы как блоки, платье слито как единый блок), квадратный пьедестал и молитвенная поза с гипертрофированным молитвенным жестом. Здесь прослеживается очень четкая центральная симметрия, даже в поясе, чертах лица, кудрях волос. Все это дает фронтальность – боковые точки зрения не обработаны, спина тоже. Лицо статуи напоминает маску, одежда и тело не отделены друг от друга, одежда лишь «процарапана» на теле. Очевидно, что здесь скульптурное мышление доминирует над пластическим. (Скульптурность: каменноподобие, фронтальность, симметрия, одна точка зрения. Пластичность: возможность кругового обхода, пространственность, множественность точек зрения). Также здесь стоит отметить деление тела на определенное соотношение частей, все тело членится на зоны, каждая из которых выделена как самостоятельная. Интересен и силуэт статуи. Для него характерна сложная линия, детали тела (руки с туловом) не слиты между собой, как на Востоке. Более сложная линия силуэта важна, потому что она указывает на начало новых отношений фигуры и пространства.
Резюмируя анализ, отметим: здесь очевидно сочетание восточных черт и греческого характера работы. От греческого – деление тулова на тектонические зоны (ноги, тулово, голова), интерес к работе человеческого тела как некой конструкции.

Дама из Оксера

н. э.), которая представляет собой почти нерасчлененный каменный блок со слабо намеченными формами тела. Голова поставлена прямо, волосы симметрично падают на плечи, руки опущены вдоль тела, ступни ног кажутся механически приставленными к глыбообразной массе длинной одежды. Новым здесь является некоторое стремление к правильной пропорциональности человеческой фигуры.

тщательно изобразил складки, несомненно правильно установил пропорции женской фигуры. Но подлинно реалистических задач такое искусство еще не ставит: задачей художника было создать торжественное, застывшее изваяние, предмет культа, священный и таинственный образ божества. Пьедестал не квадратный, а круглый. Таким образом создается иллюзия кругового обхода. Само тулово постепенно избавляется от фронтальной точки зрения, превращается в цилиндрическую колонну. Появляется разнофактурность материала. Тонкая туника создает эффект мокрых одежд. Складки тонкие, как канелюры. Сверху на фигуру накинута более плотная шерстяная накидка, ее глубокие и широкие складки создают эффект более тяжелой и плотной материи.

Гера Самосская. Мрамор. 580-570 гг. до н.э.

тех скульптурных произведениях, где нужно было изображать движение. К таким произведениям относилась статуя богини победы Ники с острова Делоса («Ника Архерма»), выполненная в первой половине 6 в. до н. э. ионийским мастером Архермом. Статуя стояла на высокой колонне; фигура вырисовывалась на фоне неба и была рассчитана только на одну точку зрения – спереди. Ника была изображена летящей. Движение было изображено символически.

Ника Архерма (1 половина 6 в. до н.э.)

два основных типа монументальной скульптуры:
Обнаженная мужская фигура – курос.
Задрапированная в одежды женская фигура – кора.

Курос и кора

статуя с выставленной вперед левой ногой. Но если там важно показать переход, факт шага, то здесь важна механика человеческого шага в пространстве. Фигура куроса всегда обнажена, поскольку так легче выявить и показать структуру человеческого тела.
Женские же образы были популярны на территории Аттики и ионических полисов, которые в своем культурном развитии до середины 6 века до н.э., когда они попали под власть персов, опережали материковую Грецию. Если в работе над куросами мастеров интересовало изображение человеческого тела, то при создании женских образов решались такие задачи, как рельефность, разнофактурность, решение объема.

синего или зеленого цвета – как показатель раскрашенности мира. Замечание о цвете важно, поскольку чрезмерный цвет уменьшает пластичность образа.

Кроме того, в архаике любили использовать в пластике яркие декоративные цвета.
Тела куросов красили в шоколадные цвета – знак загорелого, здорового и мужественного тела.

частые войны делали важным и эстетически значимым образ воина. В свою очередь суровые тяготы походов и огромный вес вооружения требовали от воина большой физической силы и выносливости. Эти качества греки воспитывали постоянной тренировкой, которая начиналась с детских лет и продолжалась до старости. Отсюда интерес к образу атлета. Скульпторы и художники могли постоянно видеть обнаженные фигуры юношей, изучать движения человека и пропорции его тела. Таким образом, сама жизнь формировала в сознании греков атлетический идеал красоты. Этот образ нашел воплощение в статуях могучих обнаженных юношей, которые могли изображать и богов и атлетов, и воинов; их и называли «куросами».

периода архаики.
Сложение этого типа статуи (конец 7 в. до н. э.) связано с развитием общественного самосознания граждан раннего полиса, с возникновением идеала физически совершенного героя, атлета или воина.

Аполлон из Фив.
VII в. до н.э. 

чем серьезно отличаются от аттических образов богов и героев классического периода, выполненных как бы конвейерным методом. Можно считать, что куросы – первый пример портретного реализма. В какой-то мере лица куросов отражают антропологические типы, распространенные в архаической Греции.

Лица куросов, даже потерявшие со временем носы, демонстрируют различные типы лиц – уплощенные и резко профилированные, округлые и  удлиненные.

еще более жизненными образами идеальных воинов, они начали служить надгробиями воинов и ставиться в честь победителей на олимпийских и других состязаниях. Хотя в куросах не было никакого индивидуального, портретного характера и определенного переживания, в них явственно ощущался общий дух суровой мужественности и собранной энергии. Общее развитие куроса шло в сторону все большей верности пропорций, преодоления элементов геометрического упрощения и схематизма, ухода от условной декоративной орнаментальности в трактовке деталей. Однако до самого конца 6 в. до н. э. сохранялся фронтальный и неподвижный строй статуй, суммарность трактовки форм человеческого тела; лица их оживлены т. н. архаической улыбкой, глаза широко распахнуты, навыкате, руки опущены, сжаты в кулаки.
Голова, рот, нос и глаза фигуры живут как бы сами по себе.

Аполлон Тенейский. VI в. до н.э.

Архаический курос

из крупнозернистого мрамора на рубеже 7 и 6 веков до н. э. Рассмотрев его, можно выделить основные черты всей группы подобных памятников. Такие статуи часто посвящали в дар богам, также они использовались и как образы Аполлона, и атлетов, и надгробных памятников, которые ставились на могилах воинов, погибших за свой полис.
Трехметровая фигура обнаженного юноши высечена из монолитной глыбы камня. Размеры статуи намного превосходят человеческий рост. Упрошенный стилизованный силуэт сообщает ей монументальное величие. Оно подчеркнуто неподвижностью позы: выдвинутая вперед левая нога и отодвинутая назад правая создают впечатление покоя. Высекая обнаженную фигуру, скульптор стремится подчеркнуть характерные признаки атлетически развитого тела – широкие плечи и узкую талию юноши. Ноги напоминают могучие столбы, и в них четко обозначены коленные чашечки. Не владея точным знанием анатомии, мастер лишь приблизительно намечает мускулы: на животе они прочерчены врезанными линиями, а на спине заданы декоративными узорами.

Курос с Суниона
(рубеж 7 и 6 вв. до н.э.)

куроса. Она принадлежит к посвятительным статуям Акрополя и называется «Мосхофор» («Человек, несущий теленка»). Мосхофор был исполнен около 570 года до н. э., в то же время, когда были сделаны поростовые статуи Гекатомпедона и представляет собой образец ранней аттической скульптуры. Из надписи на постаменте известно, что скульптуру принес в дар житель Аттики Ромб (или Комб). Мастер изобразил самого дарителя с жертвенным теленком на плечах. Они образуют единую слитную группу. Сквозь тонкую одежду, облегающую фигуру Мосхофора просвечивает сильное, пропорционально сложенное тело. Ясно обозначились напряженные мускулы рук. Мышцы важны потому, что они показывают вес тельца и напрямую говорят об обильной богатой жертве (тяжелом теленке). Волосы и борода напоминают орнаментальный узор. Частично сохранившаяся раскраска говорит о смелости цветового решения: теленок был синий, глаза Мосхофора – красные, а борода – зеленая. Спустя много веков античный образ Мосхофора вошел в раннехристианское искусство как символическое воплощение Христа – «добрый пастырь», юноша пастух с ягненком на плечах.

скульптуры второй половины 6 века до н. э. Таков курос из Аттики, созданный афинским мастером около 520 г. до н. э. Его поза повторяет традиционный тип архаической скульптуры, но пропорции тела отличаются большей правильностью и достоверностью. Во всем облике юноши ощущается уверенная и могучая сила. Лицо не является точным портретом какого-то определенного человека. Это типически обобщенный образ. Кроме того, следует отметить деление тулова на зоны (голова, тулово, ноги), при этом в каждой зоне отмечаются ключевые элементы (например, коленные чашечки, которые важны для передачи шага).

выразительные фрагменты статуй, прежде всего рук и головы.
Точность и изысканность в изображении частей фигуры у скульпторов архаики намного выше, чем у мастеров классического периода, однако, статуи воспринимаются расчленено, лишены гармонии, цельности.
Так называемый «Аполлон Птойос» из Беотии, созданный в 6 веке до н.э., является отличным примером куроса времен поздней архаики. Более точная моделировка формы, благородство пропорций и верное чувство строения человеческого тела придают этой статуе несравненно большую жизненную убедительность; ее строгая простота гораздо более соответствует образу героя, чем преувеличенно подчеркнутая физическая сила более ранних куросов. Тем более неоправданной выглядит здесь традиционная схема фронтальной и неподвижной композиции.

Курос из храма Аполлона Птооса в Беотии, VI в. до н.э.

виду художник изобразить действительно Аполлона, или героя, или атлета. Он изображал человека.
Архаический Аполлон всегда молод – ни старость, ни детство тогда не привлекали ваятелей.
Он всегда обнажен, и его целомудренная нагота не нуждается в стыдливых прикрытиях.
Он всегда стоит прямо, но одна нога выдвинута вперед – Человек пускается в путь, его тело пронизано готовностью к движению.

Курос с острова Мелос. Середина VI в. до н.э. Афины, Национальный музей

н.э.). Подлинник хранится по частям. Настоящая голова + тулово из гипса = в Лувре. Голова из гипса + настоящее тулово = в акрополе. В этой скульптуре появляется объем. Лицо и туловище теряют плоскостность, и это – огромный шаг вперед в развитии поздней архаики. Также отметим, что здесь появляется объем дополнительных деталей (объем волос, выделяются скулы, глаза).

человек, но отличия очевидны и очень существенны. Новое решение положения ног, передача хиазма (изображение стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу (опорную), и поднявшемуся из-за этого бедру соответствует опущенное плечо, а другому, опущенному бедру – поднятое плечо), оторванные от туловища руки, которые здесь связаны с общим движением тела. Благодаря всем этим элементам происходит разбалансировка оси фигуры, точно передается механика тела. Наконец, исчезает фронтальная точка зрения, скульптура вступает в активный диалог со зрителем. Эта скульптура предполагает не просто созерцание, а вчувствование и сопереживание.

лишено символики.

Большинство из них относится ко второй половине 6 века до н. э., когда в Аттике работали ионийские мастера.
Кора (от греч. kore – девушка),
1. Культовое имя Персефоны;
2. статуя прямо стоящей девушки в длинных одеждах.
Всеобщей известностью пользуется статуя коры в пеплосе (пеплос – женская одежда из шерсти, заколотая на плечах), принадлежащая талантливому аттическому ваятелю, имени которого мы не знаем. Она высечена из паросского мрамора около 530 года до н. э. Мастер изобразил неподвижно стоящую девушку в длинном пеплосе, схваченном поясом. На ее плечах — накидка из более плотного материала, а под пеплосом тонкими линиями обозначен льняной хитон (женская и мужская исподняя одежда, доходившая до колен или ступней). Ниспадающие складки хитона подчеркивают стройную фигуру. Голову коры украшал несохранившийся бронзовый венок, в ушах были серьги, а в левой руке она держала венок или ветку. Теплый золотистый цвет мрамора гармонирует с розовато-красным тоном струящихся на плечи волос. Отсутствует четкая симметрия, волосы разметаны и несимметричны, нет жесткой статики, неодинаковое количество складок около пояса. Статуя была раскрашена: черные брови и ресницы, коричневые глаза и губы, зеленые края накидки. Все это придает скульптуре праздничное звучание. По сравнению с аттическими, коры, созданные ионийскими мастерами, кажутся более чувственными и нарядными.

«Кора в пеплосе», ок. 530 г. до н.э., Музей Афинского Акрополя

сохранившая первоначальную раскраску, она отличается верностью и стройностью пропорций, тонкостью и изяществом улыбающегося, хотя и неподвижного лица. Традиционная фронтальность и застылость позы сочетаются здесь с жизненно правдивой передачей всего облика девушки.

Кора с Акрополя (конец 6 в. до н.э.).

Архаика. Коры.

Афины:
исчезают искусно «завитые» резцом локоны,
в осанке фигур появляются необычная торжественность,
прихотливые драпировки сменяются простыми линиями ниспадающих одеяний.
Постепенно исчезает и условная «архаическая улыбка».

Позднеархаическая «Кора Антенора», скульптор Антенор, ок. 520 до н.э., Музей Афинского Акрополя

мраморная богиня из Тарента (вторая четверть 5 в. до н.э.), греческой колонии на юге Италии. Она восседает на богато украшенном троне, ее строгая и торжественная поза напоминает древневосточные статуи. В правой руке богиня держала кубок, в левой – цветы или фрукты. Трудно сказать, кого изобразил скульптор: , Персефону или Афродиту. Фигура богини красиво задрапирована длинной, до пят одеждой, которая ложится ритмически повторяющимися, изысканными по рисунку складками. Правильность черт богини предвосхищает идеальные образы классического искусства.

эволюция позднеархаической пластики. Разнофактурность, асимметричность, появляется точка зрения сзади. Эффект тела и одежд стоящего на ветру человека. На наших глазах формируется пластическое мышление. Помимо разницы деталей каждая из них наделяется собственным объемом.

Задумчивая кора
(510-500 гг. до н.э.)

Архаика. Коры.

несколько памятников, стоящих на рубеже архаики и классики.
Статуя дельфийского возничего. Бронзовая статуя возничего создана неизвестным мастером Она представляет часть скульптурной группы, изображавшей возничего, который стоял на бронзовой колеснице, запряженной четверкой лошадей, упряжку со статуей посвятил богу правитель одного из греческих городов Сицилии в память о победе, одержанной им в конных состязаниях в Дельфах. Юноша-возничий сжимал в руках вожжи и остроконечную палку, которой подгоняли лошадей. Его стройная фигура своей величавой красотой напоминает дорическую колонну. Это сходство усиливает строгий ритм ниспадающих складок плотного , подобных каннелюрам колонны.
На первый взгляд возничий напоминает куроса. Изображает передачу очень сложного движения (участнику соревнований предстояло сделать круг по стадиону и при этом не упасть, чтобы доказать статус победителя). Сочетаются внешняя статика и предельное внутреннее напряжение, движение и покой одновременно. С одной стороны, здесь видны четкие складки одежд. Вздутые вены на ногах и вдавленные ногти передают предельное напряжение. В районе груди складки одежды спокойно укладываются. Сменяется и выражение лица: архаическая улыбка сменяется сочетанием двух полярных состояний – напряженное тело + спокойное лицо. Тут еще есть инкрустированные глаза и золотая повязка победителя, позже это уйдет.

Дельфийский возничий (около 470 года до н. э.,).

половина 5 века до н.э.). Мастерская Агелада. Обнаженный бог моря с телом могучего атлета представлен в момент, когда он бросает свой трезубец в противника. Величественный размах рук и упругий сильный шаг передают властный порыв разгневанного бога. Эта статуя изображает бога, воплощающего идею разбушевавшейся стихии. Важна передача секундного состояния – либо начало движения, либо его конец. Максимальное внимание уделено идее хиазма – статуя выстроена с учетом равновесия всех элементов.

на века. Всего через секунду Зевс превратится в орла и унесет Ганимеда на небо, тут же он пока еще бежит.

Зевс и Ганимед из Олимпии. Около 470 года до н.э., терракота

проблемы изображения человеческого тела зрелая архаика, а за ней и классика стремятся решить проблему соотношения элементов скульптурной группы. Эволюцию этого типа памятников в период архаики можно проследить, сравнив такие группы, как ранний памятник «Клиобис и Битон» с более поздним «Гармодий и Аристогитон».

братьев. В памятнике точно выписаны коленные чашечки и мышцы груди. Для передачи тела в пространстве передается хиазм (движение тела, при котором части сочетаются по диагонали: левая нога выставлена вперед, правое плечо отставлено назад). Благодаря хиазму происходит потеря статики, появились несколько точек зрения и их разница (боковые, со спины и т.д.). несмотря на эти прогрессивные черты, с точки зрения скульптурной группы Клеобис и Битон еще очень далеки от решения проблемы. Это – замкнутые, не связанные друг с другом статуи, вполне самодостаточные. Они соединяются механически, без надписи не идентифицируются. Именно поэтому главной идеей поздней архаики станет связать персонажей общим действием и объединить в единое целое.
Клеобис и Битон, дети Кидиппы, которая была жрицей Кибелы. Однажды, когда не оказалось на месте мулов, сыновья сами впряглись в священную повозку и отвезли мать к храму, где должен был состояться праздник в честь богини Геры. Мать, тронутая любовью сыновей, попросила Геру наградить их лучшим из даров. Богиня исполнила просьбу: оба брата уснули в храме и больше не проснулись. Их статуи аргивяне принесли в Дельфы как священный дар. Эти статуи были найдены при раскопках и отождествлены благодаря имеющимся на них надписям. Ныне хранятся в музее в Дельфах.

Клеобис и Битон
кон. 7 в. до н.э.

акрополе еще до персидского разгрома. Перед воссозданием Акрополя греки заказали этот памятник снова. Кстати, именно они послужили прообразом «Рабочего и крестьянки». Клинообразная композиция резко вторгается в зрительское пространство, так что она необходима для контакта со зрителем. Рядом сопоставляются тела юноши и зрелого мужа, очевидна разница в пластике и характере. Гармодий делает четкий шаг вперед. Складки плаща через руку гасят активность и уравновешивают композицию. Аристогитона же характеризуют более порывистые движения. Если бы это были отдельные статуи, то возник бы диссонанс этих образов. Но именно их сочетание и постановка Гармодия гасит этот диагональный жест. Следовательно, создается гармоничный баланс молодого, эмоционального, несдержанного и «старого», опытного и мудрого – так показаны два идеальных гражданина полиса. В «Гармодии и Аристогитоне» впервые была поставлена задача построения скульптурной группы, объединенной единым действием, единым сюжетом.

надгробия. Их тематика также варьируется в зависимости от региона: для Аттики важна тема героев, погибших за свой полис. Для Ионии же типичнее женское надгробие (прощание, эпитафия и т.д.).
Примером надгробия архаики может служить надгробная плита, выполненная в 6 веке до н.э. афинским мастером Аристоклом. Здесь на нейтральном фоне в профиль изображен Аристион – воин в шлеме и плотном кожаном панцире. Воин опирается на копье, его фигура умело вписана в продолговатый прямоугольник плиты. С изумительным искусством мастер моделирует лицо Аристиона, пальцы рук и ног, тонкие складки хитона, которые особенно оттеняют мускулы. Рельеф был раскрашен. Следы розовой краски сохранились на прическе, бороде и вооружении воина. Также следует отметить особую роль светотени, связанную с представлениями греков об изображении покойников. Изображение усопшего полировалось до предела. Так как надгробие стоит на открытом воздухе, полированная поверхность практически растворялась в ярком солнечном свете. Нечеткий контур создает особый эффект: словно виден не человек, а только его тень. Таким образом, греческое надгробие выглядит как символическая метафора порога, перехода в царство теней.

Надгробная плита Аристиона
(6 в. до н.э.)

надгробиями, для рельефов характерен нейтральный фон и профильное изображение.
Среди несомненных шедевров этого типа следует упомянуть Трон Людовизи (памятник назван по фамилии владельцев), созданный в 470 – 460 годах до н. э. в одном из греческих городов на юге Италии. Он принадлежит к ионической школе. Три плиты из паросского мрамора с высеченными на них изображениями украшали большой алтарь для жертвоприношений. В центре располагается сцена рождения Афродиты из пены, по бокам представлены две треугольных стелы. На одной изображена обнаженная девушка, играющая на флейте, на другой – закутанная в покрывало (гиматий) женщина. Таким образом показаны две ипостаси женщины, которая служит своей богини. Интересно, что здесь уже начинает изображаться пространство (берег, море, камни). В центре намечена резкая вертикаль (подъем тела Афродиты). Вертикаль перекрывается складками плаща, образующими линии наподобие овала. Руки Афродиты и фигуры служанок замыкают композицию в овал. Таким образом задан продуманный пластический ритм, благодаря которому композиция идеально вписывается в формат.

и сгибать одну ногу куроса, сгибать в локте руку и применять другие такие же приемы, придававшие спокойно стоящей фигуре некоторое оживление.

Рельеф

Фрагмент рельефа «Гермес и хариты» (около 480 г. до н.э.)

аттической школы. В мраморном рельефе, принесенном в дар Афине между 470-450 годами до н. э., богиня представлена в образе юной девушки. Поза ее отличается изяществом и грацией. Афина опирается на копье, на голове — высокий коринфский шлем, спокойный ритм складок подчеркивает стройность фигуры. Прекрасные черты лица и сама поза Афины передают состояние задумчивости. В этом рельефе привлекают нравственная чистота образа и поэтическая одухотворенность. Изображение человеческой фигуры обретает объемность, скульптор мыслит ее в трехмерном пространстве. В отличие от трона Людовизи, этот рельеф проще, четче, его геометрически ясная композиция более статична и более уравновешенна. Для Аттики вообще характерны простые темы, отсутствие деталей, пустой фон, логичность и ясность построения. Здесь заметны простые диагональные ритмы. Треугольник создает статику – нога Афины приподнята и упирается на кончиках пальцев.
Приблизительно в это же время происходит слияние аттического и ионического направлений. Мастера из Ионики оседают в Аттике, и образуется скульптурное направление, объединяющее два прежних и выстраивающее искусство высокой классики.

система скульптурного оформления храма. Греческая монументальная пластика получает широкое распространение в 6 веке до н.э. Многочисленные статуи богов и героев греческой мифологии воздвигали на площадях городов, в храмах и святилищах храма, метопы и фриз украшали декоративными скульптурами.
Замечательные произведения искусства создали в 6 веке до н. э. аттические мастера. В это время Афины вступили в пору своего расцвета и превратились в один из самых значительных ремесленных и торговых центров Эллады. Экономическому и культурному подъему Афин в немалой степени содействовала тирания Писистрата, захватившего власть в 560 году до н. э. и более тридцати лет правившего городом. Со времени Писистрата Афины стали центром греческой культуры. Тиран сумел привлечь в город выдающихся художников и поэтов. Дважды в год, весной и осенью, устраивались для народа веселые праздники в честь бога вина Диониса, которые сопровождались театральными представлениями. Из них родилось искусство театра — греческая трагедия, первая постановка которой состоялась в Афинах в 543 году до н. э. С необычайной пышностью справлялись Панафинейские торжества, превратившиеся в общегородской праздник богини Афины. Впервые были записаны тексты гомеровских поэм.
В это время идет обширное строительство и складывается программа скульптурного оформления храма. Она отразила и те важные перемены в греческом мировоззрении, которые связаны с представлениями о борьбе космоса и хаоса. На смену чисто декоративному оформлению, характерному для эпохи геометрики и ранней архаики, приходит сложная программа, связывающая архитектуру и скульптуру в единый комплекс. Важно, что скульптура здесь никогда не играет второстепенной роли, это непременно тщательно продуманный текст, связанный с представлениями о победе космоса над хаосом.
Рассмотреть эти инновации можно на примере двух архитектурных памятников.

один из самых ранних из дошедших до нас фронтонов. Его композиция представляет собой довольно сложный текст. Основные ее характеристики:
Центробежная композиция. В центре располагается фигура женского божества в окружении леопардов. Это– горгона Медуза в позе свастического бега (свастический бег – знак стремительного движения). Она расположена ровно посередине и превосходит все прочие по размерам.

изображали божество, которому он был посвящен. В данном случае храм посвящен Артемиде, а горгона Медуза в архаике представляет собой один из ее эквивалентов. Позже, в 5 веке до н.э., горгона Медуза станет отрицательным персонажем, а пока же она представляет образ, защищающий храм от злых сил. Звери склоняют перед ней лапы – это знак почитания божества. Также горгона Медуза важна, поскольку она является доолимпийским божеством и сочетает в себе и черты прародительницы космоса, и помощницы хаоса.

Хрисаор, сын горгоны Медузы. От хаотического существа рождается человек. Из хаоса рождается космос. С другой стороны от горгоны Медузы располагается Пегас, который стоит на задних копытах, а передние копыта кладет на плечи горгоне Медузе. Пегас – знак Зевса и символ Персея, победителя Медузы и воплощения космоса.

одной стороны – Зевс, сражающийся с гигантом. С другой стороны – нападение гиганта на Зевса или на какую-то богиню. Две этих активных схватки приглушены в углах финальным аккордом – здесь представлены скорченные фигуры поверженных гигантов. Таким образом, космос торжествует. Со временем от такой сложной программы откажутся, и в центре композиции будет один, всем известный миф.

пластики, и для этого понадобится глубокая фронтонная коробка. Пока же она незначительная, и хотя перед нами круглая скульптура, она производит эффект рельефа, причем незначительного по глубине.
Предельная симметрия и символичность. Четкая организация пространства важна для передачи победы космоса над хаосом. Бег Медузы олицетворяет цикл, неизменность, вечность космоса. Симметричность усиливается благодаря животным. Интересно симметричное расположение ребер и мышц у животных.
Декоративность. Вообще, волосы, мышцы, шкуры животных – все предельно декоративно. Яркие цвета раскраски придают фигурам вид цветных пятен.

меньше Медузы по масштабу, но выполнен и обыгран как круглая скульптура. Волосы сзади создают эффект глубины и объема. Принципиально объемное лицо, на нем выделены глаза и брови. А у Медузы, например, лицо плоское и тело тоже. Хрисаор же выполнен в сложном повороте, тогда как фигуры поверженных гигантов в углах – плоские, вдавленные во фронтоны, глаза, волосы – все рисуется. Для последних характерны принципиальная графичность, лишение объема и телесности.

в архаической скульптуре начали яснее и отчетливее выступать реалистические искания. Они явно противоречили тем условным и декоративно-орнаментальным схемам, каких было столь много в ранней архаике. Их появление свидетельствовало о приближении глубоких перемен в общественной жизни и в художественной культуре Греции. Наиболее передовой из греческих художественных школ поздней архаики стала аттическая школа. Произведения аттической школы этого времени отличаются глубоким чувством пластики и объемности человеческого тела; мотивы движения в аттическом архаическом искусстве значительно реальнее, чем в дорическом. Сочетание достижений дорической и ионической школ на основе развития местной аттической традиции – характерная особенность искусства Аттики. Поэтому уже к концу 6 в. до н. э. искусство Аттики становится самым прогрессивным; в нем складываются предпосылки перехода к искусству классики.

– здание длиной в 100 футов, от hekaton – сто)— древнейшего храма Афинского акрополя, посвященного богине Афине, древнего предшественника Парфенона), построенного в первой половине века, говорят о еще очень условном и примитивном характере аттической скульптуры в то время. Ко второй половине 6 в. до н. э. относятся композиции второго Гекатомпедона в Афинах, около 530 г. до н. э.

при раскопках. В конце 19 века обнаружили и скульптуры фронтонных композиций этого храма, исполненные из мягкого известняка – пороса и прекрасно сохранившие раскраску.

и тремя торсами. Первая фигура сжимает в руке язык пламени, вторая — волнистую ленту, а третья держит на ладони птицу. Предполагают, что это символы трех стихий — огня, воды и воздуха, которые греческие философы считали основными элементами мироздания. Неизвестно, кого изображал трехголовый змей. Современные ученые видели в нем то трехголового великана Гериона, то морского старца Протея, обладавшего чудесной способностью принимать любой облик, то страшного Тифона, дракона, рожденного во мгле подземного мира и изрыгавшего пламя, то, напротив, доброе и благое аттическое божество. Эта статуя раскрашена. Крепкие мускулистые тела расписаны теплыми тонами, от желтоватого до коричнево-красного, бороды и усы темно-синие, в длинных волосах синий цвет порой сменяется темно-зеленым, а змеиные хвосты, естественно заполняющие пространство фронтона, окрашены синим и красным цветом. Свежесть и непосредственность восприятия натуры сочетаются с повышенной декоративностью, что вообще свойственно произведениям архаического искусства. Объем и пластика забиваются яркой раскраской. Это – особенность архаики и ее скульптуры.

фризах. Здесь также существует определенные закономерности и эволюция развития в течение архаики и классики. Для дорического ордера характерен триглифо-метопный фриз (метопы –прямоугольные плиты украшенные росписью или рельефами, которые чередовались с триглифами – прямоугольными узкими плитами с тремя нарезками), а для ионического – непрерывный фриз.

Ионический ордер

хаосом, то фризовые композиции концентрируются на самой идее борьбы. Поэтому здесь чаще всего представлены части разных мифов, посвященных общей идее победы космоса над хаосом (кентавромахия, амазономахия, титаномахия, подвиги Геракла, позже – сюжеты из троянского эпоса, они появятся в эпоху борьбы с персами).

Метопа Парфенона

н.э.). Его тема – кентавромахия. Количество персонажей постепенно уменьшается, и к классике в метопных композициях их будет всего два. Также стоит отметить профильную проекцию персонажей.

храм Метоп на острове Селе (6 в. до н.э.)

Здесь представлен один из «апокрифических» подвигов Геракла (то есть не входящий во всеми признанный список подвигов, но приписываемый этому герою) – сражение со сфинксом.

Храм С («це») в Селинунте (6 в. до н.э.)

Дельфах (525 г. до н.э.). Дельфы в это время – очень важный центр. Это связано с формированием культа Аполлона. Ранее, еще в микенский период, здесь было святилище местного полубога. Тема Северного фриза – титаномахия. Продуманные эпизоды рождают последовательное изложение описания битвы. У существ хаоса лица закрыты шлемами. Афина показана как лев и как богиня-воительница. Сзади показан Геракл, который находится под ее покровительством. Для того, чтобы передать несколько пространственных планов, мастер накладывает фигуры друг на друга.
Вот так, собственно, эволюционирует архитектурный рельеф периода архаики.

Мастера еще не осмеливаются показать человеческое тело в движении, их часто увлекают чисто декоративные проблемы. Однако постепенно намечается путь к изображению прекрасного, гармонически развитого человека, путь, который в 5 веке до н. э. привел к расцвету реалистического искусства.

архаики?

Какие основные типы монументальной скульптуры формируются в период архаики?

Древний

Дорический и ионический

Курос и кора

Как переводится слово «Курос»?

юноша

Устаревшее название куросов?

«архаические Аполлоны»

Как переводится слово «Кора»?

девушка

Как назывались прямоугольные плиты украшенные росписью или рельефами, которые чередовались с триглифами?

Метопы

Как называется прямоугольная узкая плита с тремя нарезками?

Триглиф

«дедалидами»?

Потому что они считались учениками легендарного ваятеля Дедала

Сколько периодов архаики вы знаете и какие?

Три: ранняя, зрелая и поздняя

Как называется предмет, подносимый божеству
в качестве посвятительного дара?

Вотивный

Изображение стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу (опорную)?

Хиазм

Женская одежда из шерсти, заколотая на плечах?

Пеплос

Как называется знак стремительного движения?

Свастический бег

Древний храм длиной в 100 футов?

Гекатомпедон