Презентация, доклад на тему Искусство Франции XVIII века. Сложение стиля рококо, как ответвления угасающего барокко. Тонкость чувств в произведениях Антуана Ватто. Творчество Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара (презентация)

ТОНКОСТЬ ЧУВСТВ В ПРОИЗВЕДЕНИЯХ АНТУАНА ВАТТО. ТВОРЧЕСТВО ФРАНСУА БУШЕ И ЖАНА ОНОРЕ ФРАГОНАРА.

Урок подготовлен преподавателем истории искусств МБУ ДО «ДШИ а. Тахтамукай»
Джасте Саидой Юрьевной.

рококо, сосуществует и переплетается с ним – «стиль регентства», раннее рококо. Затем «стиль Людовика XV» – зрелое рококо, которое сменяется «Стилем Людовика XVI», где изысканная декоративность рокайля постепенно изживается, формы становятся несколько строже, проще. Это с одной стороны симптом усталости, пресыщения аристократического вкуса, а с другой – влияние нового буржуазного классицизма, который восторжествовал в эпоху революции 1789 г. переродившись затем в наполеоновский ампир.

художественный стиль первой половины XVIII в.,
возникший в рамках позднего барокко. Зародился во Франции,
наибольшее распространение получил в период царствования Людовика XV.

Стиль рококо проявился наиболее ярко в
архитектуре и декоративно-прикладном искусстве,
по преимуществу связан с убранством дворцовых интерьеров.

Отличительными чертами стиля рококо стали:
асимметрия,
обильный декор,
светлая цветовая палитра
В числе излюбленных орнаментальных мотивов рококо:
стилизованные раковины, растительные завитки,
головки амуров, псевдокитайские орнаменты.
Рококо предпочитает дробные, мелкие формы.

и вкуса во всей Европе. Здесь задавались празднества и балы неслыханного великолепия. С этого времени французский язык, французские моды и манеры, начали становиться предметом подражания во всех европейских столицах. Однако из-за экономического и военного упадка в конце 17 в. международный престиж Франции в начале 17 в. понизился, неизменной оставалась лишь роль законодательницы мод.
Происходило явственное расслоение аристократии и буржуазии – главных опор французской монархии.
Аристократия перестала участвовать в экономической жизни страны и окончательно переродилась в праздную придворную касту.
Буржуазия экономически усиливалась но, принадлежа к третьему сословию, не имела политических прав, и настраивалась критически к абсолютскому режиму. Складывалась ситуация приведшая затем к революции.
Соответственно и в художественной культуре Франции расслаиваются два течения.
Одно исходит из придворных кругов – стиль рокайль.
Другое, назревающее исподволь и идущее от третьего сословия – линия буржуазного просветительства.

этого общества была фаворитка короля мадам де Помпадур. Нравы стали откровенно не строгими, вкусы – прихотливыми, формы – легкими и капризными. Эпоха рококо дорожила искусством как средством воплотить мечту. И поэтому она так любила всяческий маскарад, переодевания, представления, изображение актеров, театр, кукол. Искусство рококо было «искусством об искусстве». Жизнь – театр, жизнь – игра, жизнь – сон, а искусство – реальность сна.

Франсуа Буше. Портрет Мадам де Помпадур

родился в семье кровельщика 10 октября 1684 года в городке Валансьенн на границе Франции и Фландрии. 
В 1702 г. Ватто отправляется в Париж, не имея от семьи никакой финансовой поддержки. На протяжении двух лет он за нищенскую плату работает копировальщиком дешевых картин для торговца с моста Нотр-Дам. Свободное время художник посвящает рисованию с натуры. 
В 1703 г. Ватто познакомился с театральным декоратором К. Жило, у которого продолжил обучение живописи. Сблизившись в 1708 г. с хранителем Люксембургского дворца К. Одраном, Ватто получил возможность изучать творения великих мастеров, которыми изобиловала дворцовая коллекция живописи.  В частности Антуан Ватто испытал сильное влияние творчества Питера Пауля Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце. 

ежегодный конкурс Королевской академии живописи картину «Возвращение Давида после победы над Голиафом», однако получить первую премию ему не удалось.
Самостоятельную творческую деятельность Ватто начинает с зарисовок сцен солдатской жизни ("Бивак"), бродячего шарманщика с сурком ("Савояр с сурком"), забавной уличной сценки ("Сатира на врачей"). Эти композиции имели успех у парижской публики, и к художнику потекли заказы.

“Бивак”, 1710, Музей изобразительных искусств, Москва

“Савояр с сурком”, 1716, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

"Сатира на врачей» 1710-е гг.

Они оказали ему покровительство. Здесь Ватто находит свой жанр. Он становится художником любовных сцен и празднеств, а также пишет сцены из жизни театра или портреты актеров. Его живопись была оценена даже в академических кругах.
В зрелую пору художник отдает предпочтение театральным сценам("Французская комедия", "Итальянская комедия")

"Итальянская комедия"

"Французская комедия"

изображая на своих картинах всевозможные праздники, маскарады и увеселения, романтические свидания, изысканную игру в любовь беспечных дам и кавалеров ("Праздник любви", "Отдых на охоте", "Радости жизни", "Общество в парке").

Антуан Ватто

Ватто впервые воссоздал в искусстве мир тончайших душевных состояний («Капризница», «Затруднительное предложение»), нередко окрашенных иронией и горечью. Персонажи картин Ватто — постоянно повторяющиеся типы, но за их галантной игрой кроется бесконечное многообразие оттенков поэтического чувства ("Венецианский праздник"). Декоративная изысканность произведений Ватто послужила основой художественного стиля рококо и положило начало новому этапу в истории европейской живописи, графики и декоративного искусства.

мифологические композиции («Суд Париса»), религиозные композиции («Святое семейство»), обнаженную натуру ("За туалетом").
Глубокая эмоциональность и меланхоличная мечтательность образов придают произведениям Ватто характер особой утонченности, которой уже не достигают его непосредственные подражатели.

«Пейзаж с водопадом»

"Жиль"

«Меццетен»

«Суд Париса»

Святое семейство

"За туалетом"

В академических кругах его авторитет вырос настолько, что в 1712 г. он был принят в члены Академии как мастер «галантных празднеств» жанра ранее не существовавшего и специально введенного Академией жанровой живописи в связи с его вступлением. , а в 1717 г. за большую картину "Паломничество на остров Киферу" получил звание академика.

Паломничество на остров Киферу»

английских врачей), где пользовался большим успехом; впоследствии искусство Ватто оказало значительное влияние на английскую живопись середины — второй половины 18 века.

По возвращении в Париж для лавки «Великий монарх», принадлежащей Жерсену, у которого измученный болезнью Ватто попросил приюта, он написал одно из самых знаменитых своих произведений и единственное, которым он был доволен: «Вывеска лавки Жерсена», по словам самого Жерсена, «написана она была за неделю, да и то художник работал только по утрам; хрупкое здоровье не позволяло ему работать дольше». В 1721 г. в возрасте 36-ти лет Ватто скончался от чахотки. Вывеска после смерти автора Э.Ф.Жерсеном была разрезана и продана двумя частями для получения большей прибыли.

обострённому восприятию лирических настроений и поэзии природы; по своему содержанию оно шире и богаче искусства рококо, в развитии которого наследие Ватто (особенно его орнаментальные панно) сыграло важную роль.
В кругах дворянства меняются художественные установки Академии. Создается нарядная живопись. Распространяются мифологические сюжеты, в которых можно подчеркнуть черты фривольности. Светское начало выражается в особом развитии бытового жанра. Это и «галантные празднества» и идеализированные «пасторали» изображающие пастухов и пастушек на лоне природы. Большое развитие получил портрет, растет интерес к натюрморту и пейзажу.

Буше (29.9.1703, – 30.5.1770), французский живописец, яркий представитель художественной культуры рококо. С 1734 член, а с 1765 директор Королевской академии живописи и скульптуры в Париже и «первый живописец короля». Сложился под влиянием А. Ватто, начав с гравирования его картин. Писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах .

Франсуа Буше

Овидия, пересказавшего миф о боге Юпитере, который, влюбившись в нимфу Каллисто и желая ее соблазнить, принял облик богини Дианы.
Художник интерпретирует чувственный эпизод античной мифологии в характерном для рококо поверхностном, игривом духе.

«Юпитер и Калиссто» (1744).

колчан со стрелами она небрежно бросила поодаль. На переднем плане зритель видит ее лук и "плоды трудов" - двух подстреленных голубей и зайца. Художник никого не собирался обмануть: в виде богини он изобразил вполне земную девушку. Мифология здесь - только благопристойный повод обратиться к обнаженной женской натуре.. Жестом одалиски Диана перебирает нежно-розовыми пухлыми пальчиками нитку жемчуга. Ее тело - тело изнеженной фаворитки какого-нибудь герцога. Сложно представить, чтобы эта изящная красавица могла проводить по нескольку часов в погоне за дичью. Еще труднее вообразить себе, что эта Диана натравит своих псов на несчастного Актеона, случайно увидевшего ее наготу. Скорее уж - раскроет ему навстречу свои объятия. Непринужденные позы богини и нимфы, ее верной служанки, свидетельствуют о мастерстве Буше-рисовальщика.

Буше министром финансов Людовика XV. На картине представлена умилительная сцена - юноша-пастух кормит виноградом Лизетту, главную героиню пантомимы. Этот сюжет настолько полюбился Буше, что он написал еще как минимум две картины на него, а пастух и Лизетта со временем превратились в фарфоровые статуэтки.

мастера. Точно не установлено, кто изображен на холсте. Возможно, это одна из трех жен Бержере де Гранкура - коллекционера, обладавшего самым большим собранием картин и рисунков Буше, или же сама маркиза де Помпадур, так как позу «мадам Бержере» автор повторит в ее более позднем портрете, а черты моделей художник всегда идеализировал. Знатная заказчица позирует живописцу в богатом, переливающемся светлом шелковом платье, лиф украшают букет цветов и объемный голубой бант, цвет которого перекликается с лентами на широкополой соломенной шляпе в ее руке. Произведение построено на сочетании мягких серебристо-оливковых тонов, характерных для живописи XVIII века.

всю свою жизнь он написал около дюжины портретов. На половине из них изображена мадам Помпадур, что, несомненно, свидетельствует о близкой дружбе между художником и любовницей короля. Картина, которую вы видите перед собою, последний портрет мадам Помпадур. Одно время это полотно висело в Версале, а после смерти королевской фаворитки перешло к ее брату. Несмотря на то, что мадам Помпадур очень любила Буше и считала его гениальным живописцем, она не питала иллюзий относительно его способностей к писанию портретов. Об одном из своих портретов кисти Буше она отозвалась так: "Я выгляжу здесь красивой, но совершенно не похожей на себя".
Нужно, однако, отметить оригинальность манеры, в которой написаны эти портреты. С одной стороны, они не лишены черт традиционного парадного портрета, с другой - окрашены интимностью, личным отношением художника к модели. К тому времени, когда был написан этот портрет, мадам Помпадур уже не была любовницей короля, хотя и сохраняла все привилегии "официальной фаворитки". Будучи "деюре" всего лишь маркизой, "де факта" она получала почести, подобающие герцогине. Впрочем, с портрета 1759 года на нас глядит, скорее, не властная и честолюбивая особа, но умная, образованная, обладающая тонким художественным вкусом дама. Такою ее запомнил сам Буше, так о ней отзывались многие современники, отмечавшие, что в мадам де Помпадур нет ни спесивости, ни взбалмошности, обыкновенно свойственных "птицам такого полета". Напротив, все в один голос говорили об учтивости и такте самой знаменитой любовницы короля.

жанрах, вышли из моды в конце XVIII столетия. На смену идиллическим пейзажным картинкам пришли романтические полотна, долженствовавшие дать зрителю представление о величии Природы. На долгие годы полуразвалившиеся мельницы и тихие пруды, которые так любил и сам художник, и его заказчики, были забыты. Эти пейзажи действительно нельзя считать вершиной творчества Буше, и все же трудно не согласиться с тем, что они написаны рукой большого мастера.

но не в правдивости их прелесть. Большинство своих ландшафтных картин герой нашего выпуска написал по впечатлениям от загородных поездок. Над привезенными из этих поездок набросками он работал дома, в своей парижской мастерской. Часть из них становилась материалом для будущих гобеленов, а часть "перерабатывалась" в небольшие пейзажи. В том, что касается деталей пейзажа, Буше был вполне сговорчив: по желанию заказчика он мог включить в композицию картины деревенскую хижину, старый горбатый мост, фигурку пастушки или прачки.

"Восход Солнца", 1753 и "Заход Солнца". За основу здесь Буше берет сюжет из "Метаморфоз" Овидия, но перетолковывает его так, что он превращается в будуарную сцену. В «Заходе Солнца» Аполлон, совершивший свой дневной путь по небосклону, спускается в объятия нимфы Тетис, а купидоны задергивают над ними полог ночи.
В этих работах полностью отсутствует повествовательный элемент. Зато почти везде в изобилии присутствуют прекрасные женские тела.

пасторальных, мифологических и будуарных сцен. Да, надо думать, и сам мастер порою уставал от нимф и пастушек. И тогда из-под его кисти выходили прелестные жанровые сценки - с кукольными женщинами, одетыми по последней моде, хорошо воспитанными детишками и изящными подробностями быта. Пожалуй, самая известная жанровая картина Буше - "Утренний кофе", 1739. Для нее мастеру позировали, по всей видимости, его жена и сестра, а также двое его детей. Пробивающееся в окно солнце окрашивает изысканный интерьер комнаты в нежные тона. Все присутствующие выглядят довольными друг другом, в руках слуги дымится кофейник, детки - ангелы. 

утонченности, как при дворе короля Людовика XV. Искусство жить легко, "срывая цветы наслаждения", стало почитаться действительным искусством. Порою кажется, что в воздухе тогда уже висело предощущение грозы, надвигающейся катастрофы. И что именно это предощущение обусловливало желание устроиться со всем возможным изяществом и комфортом, окружить себя румяными пастушками, фарфоровыми куколками, идиллическими пейзажами. Именно оно требовало от жизни быть похожей на театр. И Буше умело питал иллюзии своих заказчиков. Его картины погружают зрителя в мир прелестных грез, очаровательной выдумки. Заметьте, мастер никогда не говорит нам: "Посмотрите, как это правдиво". Он говорит: "Посмотрите, как это мило". Он не воспитывает нас, не внушает нам стремления к высоким целям, а лишь сожалеет о том, что жизнь так коротка и так, в сущности, печальна. И, сожалея об этом, старается сгладить ее углы, задрапировать ее неприглядность, сделать ее хоть немного приятнее. Обман ? Пусть. Но человеку не всегда нужна правда. Иногда ему нужно еще и утешение.

мадам Помпадур. Начиная с 1740-х годов любовница короля стала живо интересоваться фарфоровой мануфактурой в Венсенне. Ее интерес был столь настойчивым, что в 1751 году Людовик XV подарил ей эту небольшую фабрику. И мадам, засучив рукава, принялась за дело. По ее инициативе производство фарфора постепенно "переехало" в Севр (переезд совершился в 1753-56 годах). Тогда же маркиза де Помпадур привлекла к разработке новых проектов для своей мануфактуры Франсуа Буше.
За десятилетие (с 1756 по 1766 год) художник создал бесчисленное множество эскизов, по которым на фабрике изготовляли статуэтки и сервизы. Среди интереснейших работ по его рисункам можно назвать "Науку любви", 1763.

то здесь невозможно обойти вниманием набор ваз "Влюбленные в саду». Эти вазы отличаются большим изяществом, хотя современному зрителю они могут показаться несколько "перегруженными" деталями.

ученик сперва Шардена, а потом Буше.
В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности; в его пейзажах природа является слишком переиначенной и приукрашенной; зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя умно изобретенной композицией, грациозностью рисунка, изящностью и деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще большим вкусом исполнения.

с правом путешествия в Рим в качестве пенсионера французского правительства.

которая, так же как и он, была родом из Граса. В этом же году ему была предоставлена мастерская в Лувре, которую посещали многие известные люди. У них было двое детей – дочь Розали, скончавшаяся в октябре 1788 года в возрасте девятнадцати лет, и младший сын Александр Эварист, ставший впоследствии художником и занимавшийся у Жака Луи Давида.
Вместе с семьей Фрагонара с 1775 года жила Маргарита Жерар, младшая сестра Марии Анны, ставшая ученицей Фрагонара и работавшая вместе с ним в последние годы его жизни («Рисующая молодая женщина»). Фрагонар часто изображал близких ему людей в рисунках («Портрет мадам Фрагонар», 1769; «Портрет Розали Фрагонар, дочери художника», начало 1770-х; «Портрет Александра Эвариста Фрагонара, сына художника», 1780-е). Образ Маргариты Жерар, ставшей после смерти жены художника его близким другом и помощницей, мастер с большой теплотой передал в рисунках «Портрет Маргариты Жерар» (1770-е) и «Чтение».

Маргарита Жерар

В отличие от своего учителя Буше, Фрагонару, вернувшемуся из Италии в 1761 году, не нужен был мифологический сюжет, чтобы оправдать изображение группы белокурых рубенсовских красавиц. Обнаженные тела, ткани и пышная растительность сливаются в потоке жирных стремительных мазков. Это придает картине динамичность наброска - качество, сделавшее Фрагонара впоследствии неординарным художником своего времени.

в Государственном Эрмитаже. В маленькой комнате, отделенной от зала полуоткрытой дверью, юноша похищает поцелуй у очаровательной девушки. Та, застигнутая врасплох его «нападением» и несколько смущенная, смотрит на эту дверь, опасаясь, что кто-нибудь может войти и увидеть их. Правая рука ее, зажатая в нежных тисках его ладоней, замерла в предостерегающем жесте

случайности качелей» (1767) принято считать образцовым примером галантной живописи. В самом деле, здесь есть все признаки галантного жанра: дама и кавалеры в парке, пикантный сюжет, амуры и т. д. Эта картина Фрагонара занимает ключевое место не только в истории галантной культуры XVIII века, но и в истории визуальности и напрямую связана с просветительской реформой видения.

Италии (1756 - 1761). Смелость живописного исполнения позволяет отнести эту работу к числу шедевров раннего творчества Фрагонара. По своей теме она выдает влияние Греза, прославившегося тогда своими бытовыми сценами, но совершенно лишена грезовской сентиментальности.

В музей Эрмитаж картина была приобретена в 1829 году из парижского собрания живописи герцогини Сен-Ле. Наряду с пасторальными сценами Фрагонар, подобно Жану Батисту Грёзу, пишет в 1770-е годы жанровые сценки с изображением семейной идиллии. Знаменитый мыслитель-энцикопедист Дени Дидро, критиковавший фривольные сюжеты, посвятил этим работам Фрагонара статью.

рококо, пришлось спасать прошлое от настоящего для будущего. Он перестал писать, зато стал хранителем Лувра.

Жан Оноре Фрагонар. Автопортрет. Конец XVIII в.

2, 1990, С. 136 – 251;
В мире прекрасного. Календарь. 1989, / Сост. Т. Салахов и Т.Н. Хренников. – М.: Политиздат, 1988;
Наше наследие. – М.: Искусство, 1991. - № 3. – С. 34.
http://gorod.tomsk.ru/index-1250622498.php
http://www.liveinternet.ru/users/3251944/post345762462/#
http://www.liveinternet.ru/users/5635727/post340659514#
http://www.liveinternet.ru/users/falconetta/post385139100
http://www.liveinternet.ru/users/svetlsmir/post327277359/
http://smallbay.ru/artbarocco/fragonard_28.html